TuneSpy

Lil Wayne - Tha Carter IV

2011-09-08T17:08:00.001+02:00

Unsere Wertung: ***

Keine leichte Geburt. Die Erwartungshaltung war hoch. Der Druck ebenso.
Nicht nur, dass Kritiker Lil Wayne die unangefochtene Herrschaft im Rapgame zwischen 2005 und 2008 zuschrieben, auch er selbst proklamierte den Thron zu jener Zeit völlig zurecht für sich.
Auf seinem neuen Album verhält sich The Best Rapper Alive allerdings ungewohnt zurückhaltend, beinah schüchtern wie der Schuljunge, der auch das Cover ziert. Von Größenwahn keine Spur. Er ist sich des Stellenwerts dieser Ausgabe bewusst, die das Resümee seiner Carter-Ära mitprägt.
Und das ist eventuell exakt das Problem. "Tha Carter IV" ist in seinem Flow wie auch in seiner Produktion unnötigerweise gedrosselt. Es verliert sich leicht in dem derzeitigen Mainstream-Hip Hop, der das Ergebnis des eigenen Einflusses Waynes darstellt. Zwar entlädt sich der durchwegs synthetische Sound regelmäßig in einem Gewitter aus Snares, Claps und Hihats, das von warmen Schwaden orchestraler Einspielungen umgeben wird, trotzdem wirken viele der Beats austauschbar. Wie Relikte des Vorgängers. Astrein produziert, interessant komponiert, aber jeweils eine Spur zu eindimensional im Klangspektrum der gesamten LP.

"Tha Carter IV" ist kein schlechtes Album. Es ist bloß keines der stärkeren Lil Waynes. Vielleicht wird es seiner eigenen Erwartung nicht gerecht. Vielleicht wirkt auch alles plump, das nicht den dritten Teil der Reihe vernichtend in den Schatten stellt. Vielleicht wäre aber auch einfach mehr drin gewesen. Im Repeat-Modus mag es sich wohlfühlen, es ist trotzdem ein suboptimales Finale für eine derart gelungene Serie.

Anscheinend ist Weezy aufgrund einer staatlich verordneten Abstinenz inzwischen komplett drogenfrei. Das tut sicherlich gut. Sein kreatives Schaffen kommt damit allerdings wohl noch nicht so richtig klar darauf.

The Rapture - In the Grace of Your Love

2011-09-06T18:53:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Da ist sie nun also die lang erwartete Platte der Band, die unter all den Nachahmern und Wiedergängern von Post-Punk- und New-Wave-Helden wie Gang Of Four, Public Image Limited und Heaven 17 schon die Rolle des Alterspräsidenten einnehmen dürfte. 1998 in New York gestartet, mittlerweile zum Trio geschrumpft und die große Hoffnung ihres Labels DFA, seit denen James Murphy alias LCD Soundsystem im letzten Jahr den Dauerdienst als Goldesel gekündigt hat. The Rapture schienen bis vor einiger Zeit den Weg ihrer Kollegen von Radio 4 zu gehen, die ebenfalls 2006 sang- und klanglos von der Bildfläche verschwanden - man hatte fast den Eindruck, dass die Übergabe des Staffelstabes an Franz Ferdinand, die Klaxons oder auch die Foals zu sehr am Selbsterhaltungstrieb genagt hatte, als dass da noch etwas Namhaftes hätte folgen können.

Nun, ganz so tot waren sie wohl doch noch nicht und auch wenn das neue Album von einer "Erscheinung", so wohl einer der gängigsten Übersetzungen des Bandnamens, wohl doch noch weit entfernt scheint, so ist den dreien nach gut fünf Jahren mit "In The Grace Of Your Love" zumindest ein respektabler Coup gelungen. Ob sich das noch Dance-Punk nennen darf, ist fraglich - die quirlig-quengelnden, hochgepitchten Gitarren und auch der stilprägende Acid-Beat sind größtenteils verschwunden, auf der neuen Platte regieren dafür elektrisch verstärkter Soul, Funk und sogar Gevatter Blues verirrt sich am Schluß auf die Plastikscheibe ("It Takes Time To Be A Man").

Die nervöse Exaltiertheit, die noch der Vorgänger "Pieces Of The People We Love" mit Stücken wie "The Devil" und "First Gear" ausstrahlte, kommt allenfalls noch beim schrägen Falsettmix von "Blue Bird" oder dem pumpenden "Never Die Again" zum tragen, auch "Can You Find A Way?" hüpft noch recht ordentlich. Überraschend dagegen der einnehmende Schmachtfetzen "Sail Away" zu Beginn, die recht poppigen Diskotunes von "Miss You" oder die Quetschkommodenpolka "Come Back To Me", die dann noch ganz ordentlich ans Stampfen kommt.

So, wie man "Roller Coaster" und der MGMT-Zwilling "Children" (haha) getrost vergessen kann, so sehr überstrahlen das Titelstück mit dem angerissenen Gitarrenintro und die erste Single "How Deep Is Your Love" dieses Album - manchmal reichen eben zwölf Minuten, um den Hörer mit dem Rest des Albums zu versöhnen. Und vielleicht hat sich die mitgewachsene, nun etwas gereifte Stammhörerschaft ohnehin mit der Zeit von aktiven Eintänzern zu eher passiven Mitwippern entwickelt, dafür, das darf man ohne Häme sagen, ist diese Platte allemal bestens geeignet.

Hard-Fi - Killer Sounds

2011-09-02T14:19:00.000+02:00

Unsere Wertung: *****

Das dritte Hard-Fi Album verbindet den typischen Rock'n'Roll der Vorgänger Alben mit einer anhaltenden Faszination für Dance-Energie. Songs, die in einer Linie stehen mit New Order oder Primal Scream zu 'Screamadelica'-Zeiten.

'Killer Sounds' der Titelsong des Albums gibt den Grundton vor: zelebrierter Trotz, mit einem Fuß auf dem Tanzparkett und dem anderen auf der Redner-Plattform. Die Pop-Attacke einer Comeback-Single 'Good For Nothing' beispielsweise vermischt die wahre Geschichte vom Nachbarn von Basser Kai Stevens, der sich über dessen Drumspiel beschwert, mit dem sinnbildlichen drakonischen 'Nachbarn oben drüber' unserer Gesellschaft (inspiriert durch Dennis Browns 'The Man Who Lives Next Door'). Anderswo lungert der Rave. Bei 'Give It Up' - unterstützen pumpende Industrial-Beats und schneidende Rock-Riffs einen Song, der von der Regierungs-Koalition und internationalem Terrorismus handelt. 'Sweat' verquirlt auf brillante Weise den Funk und die Sexiness von Prince mit den Donner-Riffs der White Stripes und wirtschaftlichem Kampf. 'Fire In The House' handelt von diesem Gefühl, wenn du im Club bist und eine Person zum ersten Mal triffst, die ganze Nacht mit ihr zusammen verbringst und sie schließlich küsst während die Sonne aufgeht.

Killer Sounds stellt eine beeindruckende Errungenschaft der Disco/Rock-Mutation dar, knisternd vor sozialem Bewusstsein, Intelligenz und Rebellion. 'Feels Good' entfesselt Beduinen-Pop-Groove, zusammen mit Medhi Haddab, den sie bei einem Ausflug mit dem Afrika Express getroffen hatten. 'Excitement' kombiniert Gorillaz-Hoppelbeats mit eisigen Gary-Numan-Synthies zu einem schillernden Klassiker zum Herunterkommen – sowohl physisch als auch wirtschaftlich. Es ist ein riesiger Schritt nach vorn für diese ewig forschende Band und ein fesselndes drittes Kapitel in einer der unaufhaltsamsten Erfolgs-Storys des Jahrhunderts.

Firefox AK - Color The Trees

2011-08-17T20:32:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Durch Zufall bin ich auf dieses Album gestoßen und kannte "Firefox Ak" alias Andrea Kellermann zuvor nicht! Deshalb war ich auch überrascht, wie professionell dieses Album wirklich ist! Man nennt es als Stilrichtung " Indie-Pop ", was für mich zuerst beim Hören eigentlich keinen großen Unterschied zum normalen Popalbum ausmacht! Eingängige, fast "ohrwurmartige" Melodien, gespielt mit einem tollen Rythmusgefühl, ganz der schönen Stimme von Andrea Kellermann angepaßt! Und trotzdem ist es nicht einfach so eine Art " Popalbum" wie von Ladie Gaga etc. Die Musik ist anders. Denn sie ist einfach viel besser! Man muss es einfach gehört haben! Aber vorsicht!!! Es beseht "Suchtgefahr"! Empfehlenswert!!!!!!

Oh Land - Oh Land

2011-08-17T20:29:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

"Oh Land" aus Dänemark liefert ein schön entspannt groovendes, teilweise sehr tanzbares Album ab, das im Zuge der neuen Popdiven aus Skandinavien viel Aufmerksamkeit erregen sollte. Die Stimme ist besonders und hebt sich von anderen Popdiven ab, bringt genügend Wiedererkennungswert mit.

Es paaren sich gekonnt cineastische Geigeneinlagen mit sphärischen Stimmungen, Electrosounds mit akustischen Spielereien, doch insgesamt bleibt alles im Popbereich verwurzelt.

Sei es tanzbare Popsongs wie "Human" oder "White nights", allesamt mit wunderschönen Geigenparts und eingängigen Melodien untermauert oder mystisch, cineastisch angehauchte Songs wie "Wolf and I", "Perfection" oder "Helicopter", so gelingt "Oh Land" die Brücke zwischen Radiotauglichkeit und einer Musik fern des Mainstream.
Bei "Son of a gun" oder "We turn it up" hört man Girliepop, der sicherlich auch für die Charts in Frage käme, so erinnern mich diese Songs auch ein wenig an Feist oder Lykke Li. "Perfection" dagegen bringt Goldfrapp-Anleihen und sorgt für weniger Massentauglichkeit.
Insgesamt ein tolles Popalbum mit wenig Ausreißern nach unten (einzig "Voodoo" klingt mir zu billig) und vielen gelungenen Songs überhalb der Belanglosigkeit, aber mit viel Luft nach oben, was die Besonderheiten und Ecken und Kanten angeht. Sehr zu empfehlen.

Little Dragon - Ritual Union

2011-08-05T11:08:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Das Cover verspricht Asiatisches, und wer sucht, wird auch fündig. In "Shuffle" zum Beispiel. Aber eine Erklärung, wie die Göteborger Elektroband um Sängerin Yukimi Nagano klingt, ist das noch nicht. Schwedisch? Vielleicht, wenn man bedenkt, dass Lykke Li Schwedin ist und Miike Snow zumindest zu zwei Dritteln. Aber insgesamt ist Little Dragon eher eine Band, die sich allzu einfachen Erklärungen verweigert. Elektrosound hält die mal vertrackten, mal melodischen Songs zusammen. Naganos Stimme lässt ihre Soul- und R'n'B-Fähigkeiten erahnen, spielt diese Karten aber nie voll aus. Von düsteren Untertönen bis zur Tanzbarkeit: Alles bleibt angenehm vage. Mit ihrem dritten Album finden Little Dragon definitiv ihren Weg - und sitzen zwischen allen Stühlen fest im Sattel.

Sbtrkt - Sbtrkt

2011-08-01T11:28:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Bislang experimentierte Aaron Jerome hauptsächlich mit instrumentalen EPs, die sich der zeitgenössischen britischen Bassmusik frönten. Für sein Debütalbum überrascht es dann umso mehr, dass er sich in der klassischen Produzentenrolle zurücklehnt, dafür zahlreichen Gast-Vokalisten den Vordergrund gewährt. Das Ergebnis ist ein Genre-Crossover, das sich als unverbrauchte Mischung aus Post-Garage, Dubstep-Pop und R&B-Dance verbuchen lässt.

Damit reserviert er sich eine ähnliche Nische, die direkte Nachbarn wie James Blake oder Jamie Woon bereits im vergangenen Jahr global für sich proklamierten. Mit dem Unterschied, dass Jerome singen lässt.

SBTRKT kitzelt stimmungsvolle Sequenzen aus den Synthesizern, gönnt ihnen atmungsaktiven Raum für Klang und Atmosphäre. Auch wenn er ein weiterer englischer Produzent ist, der die Spielgärten von House, Dubstep und UK Funky durchpflügt und für sich beansprucht, stechen seine Songs stets eigenwillig heraus, sie sind akustisch gebrandmarkt, auf eine positive Weise.

Heraus kommt ein farbenfrohes Album, das nicht umsonst in manch Fachkreisen als Future-Pop betitelt wird. Das sich der Basskultur verschreibt, ohne ihr verschuldet zu sein. Das zugänglicher als Blake und Woon erscheint und obendrein breitere Facette in sich trägt. Ebenbürtig in den Bässen und Sub-Anhängern, mit ausgewogener Balance seiner in Beziehung stehenden Einzelteile.

Red Hot Chili Peppers - Blood Sugar Sex Magik

2011-07-31T16:16:00.001+02:00

Unsere Wertung: *****

Herzlichen Glückwunsch zum Zwanzigjährigen!!!

"Blood sugar sex magik" wird von vielen Peppers-Fans, gerade von den "Insidern", als die beste Red-Hots-Platte überhaupt angesehen. Und das völlig zu Recht.

So scharf waren die Red Hot Chili Peppers noch nie: Mit "Blood Sugar Sex Magik" gelang dem Freak-Vierer ein pulsierendes, energisches Album.

Mit wertvoller Unterstützung durch den Produzenten Rick Rubin fanden die Peppers genau die richtige Mischung von Punk, Funk und Hip-Hop. Selbst bei einer Spieldauer von 74 Minuten hat dieser Durchbruch von 1991 Kontinuität und Zusammenhang, sowohl innerhalb des jeweiligen Stückes wie auch bei den 17 Tracks insgesamt. Begleitet von Riding Flea's antreibendem Bass liefert Anthony Kiedis seine aufklärerischen Texte mit dem Flair eines Rappers, rühmt die Tugenden (und weist hin auf die Gefahren) von Sex und Drogen. Klagende Balladen wie "Breaking the Girl", "I Could Have Lied", und der Hit "Under the Bridge" geben dem Album Tiefe und schaffen einen Kontrast zu der rohen Energie von "Mellowship Slinky in B Major", "Funky Monks" und "Give It Away". Rubin verschmilzt meisterhaft John Frusciantes rauhe Gitarre mit unwiderstehlichen Grooves.

Wolf Gang - Suego Faults

2011-07-31T09:48:00.001+02:00

Unsere Wertung: *****

Manchmal tragen Kinder von verständnisvollen Akademikern die schwersten Kreuze auf ihrem Rücken. Das mit dem Punkrock etwa, funktioniert bei ihnen einfach nicht. Max McElligott alias Wolf Gang mag das beste Beispiel sein. „Ich hatte in meiner Jugend nichts, gegen das ich rebellieren konnte“, sagt der Brite. Seine Freude am Lärm wurde von den Eltern gefördert. Das Klavier lernte er mit zwei, drei Jahren ohne jeden Zwang zur Harmonie. Und als er 13 oder 14 war, stand plötzlich ein Vierspurgerät auf dem Tisch.

Der Teenager beschäftigte sich fortan damit, Perkussives und allerhand Hintergrundrauschen aufzunehmen, zu mischen und wieder abzuspielen, gerne auch rückwärts. Nebenher trommelte er in einer Rockband.

Aus den obskuren Vierspuraufnahmen sind herrliche Popsongs geworden, nachzuhören auf dem dieser Tage erscheinenden Albumdebüt Suego Faults, das unter dem ominösen Banner ‘Alternative Symphonic Pop/Rock’ läuft. Klingt komisch, erinnert aber – im positiven Sinne – an Bands wie die von Fridmann (MGMT, The Flaming Lips, Mercury Rev) produzierten Bands sowie die klassisch glimmernde Riege um Gypsy & The Cat und – nun ja – The Naked And Famous.

Mit der aktuellen Single “Lions In Cages” hat McElligott auch einen überaus sympathischen Opener am Start: Glammiger Electro-Pop mit Indie-Charme und einem Hauch “Punching In A Dream” mündet in einen eindringlichen wie gigantischem Refrain, der mit vom genialen Gesang lebt. Dabei erinnert der Wolf Gang-Mastermind oftmals an MGMT-Stimme Andrew VanWyngarden zwischen den leicht fistelig intonierten Strophen und der Kopfstimme im Hauptteil. Mit den lebhaften “The King And All Of His Men” und “Dancing With The Devil” haben sich zwei weitere Hit-Kandidaten auf das Album geschlichen, die nach designierten Werbehits klingen und sich ein wenig von den übrigen Songs abheben.

Der Grundtenor auf “Suego Faults” ist ein überaus ruhiger und entspannter, verspielter Alt.-Pop steht im Vordergrund. “Something Unusual” hat beinahe etwas von Dream-Pop, geprägt von kleineren Chor-Passagen und Streichern aus der Dose – Atmosphäre dominiert ebenso wie vielschichtige Arrangements. Zu den Highlights dieser relaxten Seite zählt vor allem “Back To Back”, dessen Refrain zwar ein wenig lauter, verhältnismäßig angriffslustig wirkt, ansonsten aber problemlos neben “Electric Feel” von MGMT stehen könnte. “Where Are You Now” überrascht mit einer Foals-Melodie und einer aufheulenden Gitarre in den finalen Sekunden, während der Rausschmeißer “Planets” versöhnliche Töne anschlägt, sogar ein wenig Spector und balladeske Queen einbringt, ja beinahe als Radiosong durchgehen könnte, wenn da nicht die sympathische Überlänge nebst psychedelischem Finale wäre.

Weitestgehend vertraute Klänge in einem neuen Gewand hat “Suego Faults” zu bieten: Max McElligott nimmt die populären Electro-Pop-Sounds der letzten Jahre mit, verbindet sie mit verträumten Flaming Lips-Klänge, Spector-Klangwänden und Indie-Charme zu einer hitverdächtigen Masse zwischen vereinzelten Uptempo-Bastarden und auf Atmosphäre ausgerichtetem Slowfood. Herausgekommen ist ein sympathisches Debütalbum mit faux-symphonischen Elementen, die tatsächlich sehr Wolf Gang-artig sind – populäre Klassik im zeitgenössischen Gewand, wenn man so will. Einfach toll!

Cashier No.9 - To the Death of Fun

2011-07-29T17:53:00.001+02:00

Unsere Wertung: *****

Unglaublich schöner eingängiger Gitarrenpop mit wunderbaren Melodien wie ein locker luftiges Sahnehäubchen auf einen feinschmeckenden und zuckersüßen Lieblingspudding. Lecker lecker.
Cashier No.9 sind erfinderisch, frisch und ganz anders als alles, was man sonst so momentan hört.
Irgendwie klingts nach The Byrds oder Beach Boys, aber doch
irgendwie nach etwa ganz eigenen.

Incubus - If Not Now,When?

2011-07-29T09:45:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Going soft!

Man kann sich viele der ersten Feedbacks schon ausmalen, 'Fortsetzung eines langjährigen Trends nach unten', wird es heissen. 'Incubus bringen zum x-ten Mal seit S.C.I.E.N.C.E. ein Album heraus, das schwächer ist als das vorherige', wird es heissen. U2 und Coldplay Vergleiche wird es geben, Verweise auf das Altern der Band.

Nach den ersten dutzend Hördurchlaufen kann ich mich diesen Einschätzungen auch nicht so ganz entziehen, einerseits etwas enttäuscht, aber dann doch eher wieder eingenommen, von den Lyrics, der musikalischen Finesse und Freiheit, die sich eine meiner Lieblingsband mal wieder herausnimmt.

Zu den Highlights und damit auch den Anspieltipps: Der beste Song ist SWITCH BLADE, schnell und kantig. Eine schöne Melodie, wird unterbrochen von hart gesprochenen Passagen, das Schlagzeug peitscht ganz alte Incubus voran. Ansonsten siedelt Incubus sich mit ,If not now, when` aber hauptsächlich im Midtempo und Balladenbereich an. THIEVES bspw., hätte als Ballade auch auf den Vorgängeralben funktioniert, textlich wird Incubus hier sehr sozialkritisch. Oder DEFIANCE, ein weiteres Highlight, sehr organisch, die Gitarren bleiben akustisch und unplugged, erinnert sehr an Led Zeplin, was ja keine schlechte Referenz ist, auch wenn die Vocals eher punkmässig rüberkommen. IN THE COMPANY OF WOLVES zitiert mit Pink Floydauch wieder eine altvordere Band. PROMISES, PROMISES steigert die Schlagzahl wieder etwas, wird aber nicht von der Gitarre sondern vom Piano vorangetrieben, sehr funky, eine feine Erweiterung des Spektrums. Insgesamt gibt es für meine Ohren aber einige zuviele ruhige Songs, auch wenn ich den ganzen Ansatz nachvollziehen kann. FRIENDS & LOVERS gehört in diese Kategorie, vom Text her spannend, in der Umsetzung etwas zu kitschig.

Ein wenig Hin- und hergerissen, es ist immer noch unverkennbar Incubus: textlich poetisch wie immer und über alle Zweifel erhaben, musikalisch funktioniert diese Platte an lauen Sommernächten oder beim cruisen. Allein, live, kann ich sie mir noch nicht vorstellen, aber da ist die Band ja eh immer für eine Überraschung gut und nicht wirklich an die Studioversionen gebunden.

Liebe Incubus Afficionados, bitte bitte vorher in alle Ruhe hineinhören, es steckt immer noch Incubus drin, aber der Ansatz ist ein anderer, ruhigerer, weniger verspielter, sophisticated.

Ich tat mich anfangs schwer mit diesem neuen Album. Aber mittlerweile gefällt es mir von Tag zu Tag immer besser. Ein gutes Zeiche nfür ein gutes Werk.

Wiley - 100 Percent Publishing

2011-07-28T17:38:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

100 Prozent Arschtritt-Grime mit ultratrockenem Sequenzerknarz und wohltuend rüder Sound-Skelettierung. Es dauert ziemlich genau acht Sekunden, bis man weiß, dass dieser Wiley des Jahres 2011 wieder sehr ernst zu nehmen ist. Dann hat man das erste Mal die markerschütternde Schepper-Bassline des Openers „Information Age“ in Ohr und Magen. Wiley selbst hatte bis dahin schon alle Zeit der Welt, eine erste Rap-Salve zu starten, unterlegt von einem stoisch-blechernen Beat. Viel mehr passiert dann genau besehen auch nicht mehr – in diesem Track und auf diesem Album. Grime ist ganz offensichtlich kein bisschen tot oder auch nur müde, zumindest, wenn ein Großmeister wie Wiley beschließt, wieder ganz auf die Oldschool-Basics zu setzen. Wiley – „Numbers in Action“ Es ist eine geradezu erfrischende Direktheit, die von den brutal aufs Grundgerüst herunterskelettierten Tracks ausgeht. Ungemein robust erscheinen die, eine Antithese zu den durchgeistigten Soundexkursionen der Post-Dubstep-Generation ebenso wie zum immer noch allgegenwärtigen HipHop-Hochrüstungswahnsinn mit all seiner andauernden Autotune-Versessenheit und den mörderisch teuren Produktionen. Es ist aber auch eine Absage an die reine Bass-Glückseligkeit, denn hier steht vor allem eines im Mittelpunkt: Wileys eindringlich – fast ist man geneigt zu sagen: monoton – hämmernde Stimme und ihre Schnellfeuer-Raps, deren vorzeitige Abnutzung indes durch clever getaktete Response-Chöre oder begleitende Sidekicks verhindert wird. Wiley – „Boom Boom Da Na“ Überhaupt: Es ist keineswegs so, dass innerhalb des streng limitierten Grime-Spektrums keine Feindifferenzierung möglich wäre. Da reicht die Spanne locker von einem trocken pumpenden „Numbers In Action“ zum gleich einen Track weiter verspielt und gutlaunigst daherirrlichternden „Boom Boom Da Na“ mit seinen Atari-Sounds oder vorwitzigen Background-Vocals. „Wise Man And His Words“ erlaubt dann sogar, dass sich eine zarte Pianobegleitung zwischen den massiv knarzenden Basslines durchmogelt. Es ist ein fast schon berückender Moment, der denn auch eine über die nächsten drei, vier Tracks andauernde versöhnlichere Phase einschlägt, die das Tempo drosselt und ein wenig Atemluft verschafft. Hintenraus gibt es dann nochmal hoch konzentrierte Soundarbeit mit messerscharfen Reimen und mächtigem Arschtritt-Potenzial. 100 Prozent überzeugend. Welcome back.

Yacht - Shangri-la

2011-07-28T17:35:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Festhalten, anschnallen: Es geht mit Lichtgeschwindigkeit in unbekannte Welten. Mit "Shangri-La" haben sich YACHT in eine kosmische Zukunft katapultiert. Seit 2004 schreiben YACHT aus Portland ihre Songs im Duett und veröffentlichen auf dem experimentellen New Yorker Elektro-Punk-Label DFA. Waren vorangegangene Alben schon durchaus überdreht, so hat sich das Elektro-Chaos-Duo mit "Shangri-La" endgültig ein Space-Shuttle geschaffen. Schon im Opener "Utopia" steckt derart viel zündende Energie, dass der Start in futuristische Gefilde kein Problem darstellt: Der tropische Titel überschlägt sich beinahe selbst. Ein rasender Bass, röhrende Gitarren, Synthies, Fauchen und Zischen bilden eine ungeheuren Vielschichtigkeit an brisant schnellen musikalischen Schichten. Nach dem quirligen Besuch in Utopia, dem Idealbild der Zukunft, landet man schließlich, begrüßt von den Worten "The earth is on fire / We don't have no daughter / Let the motherfucker burn", auf der dunklen Seite der hypothetischen Zukunftsszenarien – in Dystopia. Dumpfe Synthieflächen und ein entschleunigter, puckernder Beat treiben das Stück derart rucklos, dass man zu der Überzeugung gelangen kann, tatsächlich im Weltall angekommen zu sein. Das Gefühl von schwerelosem Umhertreiben wird auch im Folgenden nicht genommen. YACHT - "Utopia / Dystopia (The Earth Is On Fire) "You're one step over the line / you're fine" heißt es schließlich in "One Step", das sich durch spacige Klangeffekte in die galaktischen Welten eingliedert. Wie ein Abzählreim fährt das Stück bis zum zehnten Schritt fort und verrät doch nicht, worin es eigentlich die Linie sieht. Mit "Holy Roller" kommt "Shangri-La" bei seinem ersten echten Ruhepunkt an – echounterlegter Gesang über Fingerschnipsen mit Bass-Schnipseln, für zwei Minuten ist das alles. Mit "Beam Me Up" bringt sich das Album schließlich selbst auf den Punkt: "The future is a poem / cause it doesn't yet exist / we don't know if we reach out / to tentacle or fist" erklärt der Song, bevor in vollen Chören YACHT die dringende Bitte äußern: "Beam me up". In "Shangri-La", einem fiktiven, paradiesgleichen Ort, irgendwo im Himalaya angekommen, findet man nach diesem Trip schließlich den Boden unter den Füßen wieder. Das Stück entspannt mit poppigen Melodien und tanzender Leichtigkeit. Wo vorher Synthies undurchdringlich dichte Klänge erzeugten, stehen nun ganz natürlich ein gemächlich blubbernder Bass und leichte Gitarre, darüber warmer, zweistimmiger Gesang. Nichts ist mehr schrill. YACHT - "Shangri-La" YACHT bewegen sich ausgesprochen eloquent durch die verschiedensten Genres: "Utopia" ist funkig, "Love In The Dark" hat wavigen Charakter. "Tripped & Fell In Love" ist mit einem krautigen Beat unterlegt und glänzt durch minimalistische Düsterkeit. "Shangri-La" schließlich ist ein sanft-beschwingter Pop-Song, in dem elektronische Elemente nur noch verschwindend gering vorhanden sind. Damit entsprechen YACHT ihrer eigenen Wunschkarriere, die niemals in irgendeiner Schublade hängen bleibt. Man kann trotzdem nicht verhehlen, dass sie mit "Shangri-La" auf einem relativ schmalen Grad zwischen genialer Flippigkeit und latenter Nervenbelastung balancieren. Die Stücke sind fast durchgängig überdeutlich präsent, treibend und energiegeladen. Die Stimme von Claire L. Evans zeigt eher wenig Variation und ist sehr durchdringend. Man könnte wohl sagen, dass YACHT einen Hang zur absoluten Übertreibung haben. Allerdings haben sie es mit diesem Album noch geschafft, die Waage zu halten – in der Machart zwischen thematischem Konzept und musikalischer Freiheit, in den Texten zwischen Quatsch und kritischer Botschaft, zwischen Experimentierfreude und persönlichem Stil. Und dabei legen sie soviel Enthusiasmus an den Tag, dass "Shangri-La" einfach mitreißt und erfreut. Nur bei Katerkopfschmerzen und Gereiztheitszuständen sei es eventuell mit Vorsicht zu genießen.

Gavin Friday - Catholic

2011-07-28T17:33:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Unfassbare 16 Jahre zogen seit der letzten echten Soloplatte "Shaq Tobacco" ins gebeutelte Land, trotz aller Soundtracks, Malereien und Theaterprojekte. Endlich schreibt Irlands Künstlerikone und Bonos 'Best Mate' wieder persönliche, gefühlvolle Songs, die sich von den Auftragsarbeiten der letzten Jahre deutlich unterscheiden.

Schon als Postpunkpionier und Schmerzens(front)mann der Virgin Prunes definierte er bereits Ende der 70er den Gothic neben Joy Division oder Bauhaus und tauft ihn gleich mit etwas Chanson und Brecht/Weill zwischen dem Krach. Dieses Mal hingegen ist die schiere Pein keine jugendliche Künstlerlaune zwischen Aggressivität und Weltschmerz. Die erduldeten Qualen sind leider allesamt echt. Diverse gesundheitliche Probleme, das tragische Scheitern von Gavins langjähriger Ehe und der Tod des eigenen Vaters bilden den ätzend sauren Niederschlag, aus dem diese Platte besteht.

Schon das sinistre Covermotiv verneint schnöde Unterhaltung oder gar Lebensfreude. Fridays Leiche liegt hier im Totenbett von Irlands Symbolfigur Michael Collins.

Die Musik auf dem Album ist alles andere als avantgardistisch zerquält, deprimierend oder schwer hörbar. Im Gegenteil: Im Moment der größten Krise liefert Friday sein mit Abstand gefälligstes Werk ab. Die Platte fließt in einem Strom zeitlos gentlemanhaften Darkpops mit einigen Tupfern Spaß, Groove und Temperament; eine schattenhafte Schönheit zwischen Alp und Traum.

Und bevor man nun glaubt, der irische Urgote sei komplett zum Trauerkloss mutiert, haut er uns noch zwei satte Groovenummern um die Ohren. "Perfume" glänzt als Floor versengendes Erotikpaket samt angedeutetem funky Touch. Die im Kontext etwas absurden - dennoch perfekt harmonierenden - Lalalala-Chöre erinnern dabei dezent an Peter Murphy-Verzierungen.

Das noch unkonventionellere "Where'd Ya Go? Gone" macht den Groovesack hernach richtig fest zu. Dieser schwül-sumpfige sowie Schäferstündchen kompatible Gotenfunk sollte sogar Freunden von Slys "There's A Riot Going On" gefallen.

Portugal. the Man - In the Mountain in the Cloud

2011-07-27T17:44:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Portugal the Man probierten viel aus in den letzten Jahren und Alben. Von Electro über 70's- rock, Progressive, Indi u.v.a. stapfen sie uns nun durch die kalte Arktis in unsere sensibel Alltags- Gaga- Brei geplagten Ohren um uns mit neuem Stoff zu versorgen. Das ganze ist bekannt und doch wieder anders. In gewisser Weise ist dies nicht der Nachfolger ihres sehr experimentellen "American Ghetto" sondern des Vorgängers "The Satanic Satanist". "In the Mountain in the cloud" setzt wieder mehr auf live eingespielte Drums, weniger Loops und einfach einen runden Live Sound gespickt mit mal mehr oder weniger synthetischen aber eingängigen und nicht so radikalen Mitteln, was bei den vorhandenen Könnern ihres Werks sehr erfrischend ist. Da ertönt ein wunderbar melodischer Aufbau am Anfang von "You carrie us all", "All your light" ist von den großartig Vocalspielerein getragen und geht ganz tief ins Ohr! Auch der Song "Floating" ist hervorzuheben. Entfaltet er doch ab der Mitte des Songs eine schöne Gospel- Characteristik, die nicht mehr aus dem Ohr geht. Musikalisch gesehen gibts so einige Höhepunkte auf diesem Album. Beim ersten Reinhören muss man der Mugge in einigen Momenten noch eine zweite Chance geben, damit es seine Kraft entfaltet! Ansonsten ein sehr rundes und unterhaltsames Stück Weiterentwicklung einer der interessantesten Bands der letzten Jahre.

Nirvana - Nevermind

2011-07-23T11:17:00.000+02:00

Unsere Wertung: *****

Wenn uns der Sound auf Nevermind jetzt vertraut ist, dann liegt das garantiert auch daran, daß tausende von Rockbands, die nach Nirvana kamen, krampfhaft versuchten ihren Stil zu kopieren. Nirvanas Sound prügelt aus den Boxen auf Dich ein. So wie das Turbo-Punk-Riff in "Smells Like Teen Spirit", in dem sich die angestaute Wut aus 15 Jahren Rock-Underground in einem einzigen inbrünstigen Schrei Luft verschafft.

Nur wenige Alben haben das kulturelle Bewußtsein dermaßen geprägt, von den zwölf Songs auf der Platte sind mindestens schon zehn zu Standards geworden. Das historische Gewicht mag es schwierig machen sich die Platte unvoreingenommen anzuhören. Tatsache ist aber, daß die wahnsinnige Kraft, die in Kurt Cobains Gesang steckt, obwohl er kaum singen konnte, immer noch und immer wieder schockiert.

Sänger Kurt Cobain ist tot, aber der Mythos um seine einstige Band Nirvana lebt weiter: Allein schon die Grunge-Hymne Smells Like Tee Spirit macht dieses düstere Werk zur Rock-Reminiszenz einer Generation.

Diese CD ist jetzt 20 Jahre alt - das, was Kurt Cobain und Nirvana damals gemacht haben, war eine derartige Ansage und revolutionierte (Achtung jetzt) die DAMALIGE Welt.

Jasta - Jasta

2011-07-23T11:11:00.000+02:00

Unsere Wertung: ****

Jamey Jasta, Frontmann und Herz von Hatebreed wirkt auf michoft wie ein fanatischer Metalhead und Hardcorefan der leider manchmal zu sehr einen auf "Tought Guy" ausm Ghetto macht, was nach Typen wie Biohazard aus motherfuckin`Brooklyn New York" einfach nicht mehr zieht. Dabei kann Jasta mit seiner Aggrocombo Hatebreed genauso punkten wie mit seiner Zweitband Kingdom Of Sorrow bei der er mit Kirk Windstein von Down / Crowbar zu Gange ist. Daneben gibt es noch das Hardcore Projekt Icepick und jede Menge Gastauftritte bei anderen Bands wie Terror, Agnostic Front oder Ill Nino. Außerdem hat er das Label Stillborn Records und war mal "Headbanger`s Ball" Moderator. Langweilig ist dem viel tourenden Sänger sicherlich nicht!

Nun gibt es auch eine selbstbetitelte Soloplatte unter dem Namen Jasta.
Muss das sein? Sicherlich nicht!

Ist das gut? Auf jeden Fall!

Jasta spult die fette Hatebreed Schiene ab und mischt das Songmaterial mit klar gesungenen, moderne Thrash Metal Songs die mich ein etwas an alte Metallica, Slayer im moderne Gewand von den Riffs her erinnern!

Typisch für die CD sind Songs um die drei Minuten.
Eigentlich machen alle Songs richtig Laune! Die vielen Gäste waren also nicht nötig, erwähnt werden sie trotzdem: Randy Blythe und Mark Morton (Lamb Of God), Philip Labonte (All That Remains), Tim Lambesis (As I Lay Dying), Profi-Skater Mike Vallely und Zakk Wylde (Black Label Society) die Ehre.

Für Fans des Musikers und des Genres ein Muss und sicherlich abwechslungsreicher als eine Hatebreed Scheibe!

Handsome Furs - Sound Kapital

2011-07-22T16:27:00.000+02:00

Unsere Wertung: ****

Dan Boeckner mit Ehefrau Alexei Perry, gründeten 2004/2005 das Duo HANDSOME FURS. Boeckner spielt meist Gitarre und singt, während Perry Keyboard und Drumcomputer bedient. Ende 2006 nahmen sie im Dezember ihr Debütalbum "Plague Park", auf. Im Frühjahr 2007 erschien das Album in den USA und in Europa. Ende 2007 konnte das Duo endlich auf US-Tour gehen, da ihnen zuvor, die Einreise in die Staaten untersagt wurde. 2009 brachten die Handsome Furs mit "Face Control", ihren zweiten Longplayer heraus.
"Sound Kapital", ist nun der dritte Longplayer und, wie ich finde, ihr bester. Sie zelebrieren auf den 9 Stücken ihren eigenen Indie-Pop, der bedingt durch den doch manchmal etwas zu simpel eingesetzten Drumcomputer, teilweise recht einfach strukturiert ist. Wer auf elektronisch dominierten Indie-Pop steht, dem wird "Sound Kapital" warscheinlich zusagen. Ich hatte am Anfang einige Vorbehalte gegen dieses minimalistische Indie-Duo, habe aber in der Vergangenheit doch teilweise gefallen an Handsome Furs, gefunden. Die beiden Kanadier aus Montreal, schaffen es auf "Sound Kapital", immer wieder interessante Rhythmen, trotz ihrer Einfachheit, zu kreieren, die gewisse "Ohrwurmqualitäten" besitzen. ("Repatriated", "Damage" und "Memories Of The Future").
"Sound Kapital", ist eine nette Electronic-Indie-Pop-Platte der ich ganz knappe 4 Sterne gebe. Natürlich Genrebezogen.

The King Blues - Punk & Poetry

2011-07-15T18:52:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

The King Blues veröffentlichen ihr neues, drittes Studioalbum "Punk And Poetry". Punk mischt sich wunderbar mit Reggae und Ska, das ist nicht erst seit gestern bekannt, und die sechs Bandmitglieder von The King Blues aus London wissen das auch. Und so ist auch deutlich ist zu hören, dass sie von The Specials und The Clash beeinflusst wurden. In ihrem Heimatland wird die Band derzeit hoch gehandelt und füllt u.a. 2000er-Venues. In Deutschland spielten sie dieses Jahr bereits bei Rock Am Ring und Rock Im Park. Einer persönlichen Einladung der Band folgend, bestreiten The King Blues exklusiv das Vorprogramm auf der großen Herbst Tour der Broilers und werden dabei mit Stories & Features von allen einschlägigen und relevanten Musikmagazinen unterstützt.

Wie Jamie T packen die Jungs und Mädels jede Menge unterschiedliche Musikstile zusammen und schnüren ein buntes Genrepaket aus Ska, Reggae, Hip Hop, Punkrock, Dancehall und sogar Swing. Von Ska-Helden wie den Mad Caddies borgen sie sich die Trompeten-Melodien, die kreative Fröhlichkeit und ihren starken Hang zum Off-Beat. Itch rappt wie Mike Skinner oder Plan B und reimt gerne in allerbester Reggea-Manier. Das alles rotzen sie mit einer dreckigen Angepisstheit runter, wie man es von Punk-Bands wie Rancid oder Anti-Flag kennt.

"Punk & Poetry" ist die Sommerplatte für alle Weltverbesserer, Revoluzzer und Demo-Gänger, für alle, die genervt sind, wie die Welt zu Grunde gerichtet wird und die denken es müsse endlich mal was getan werden. Wer sich davon jetzt nicht angesprochen fühlt, kann auch einfach nur die Musik genießen, denn die macht in erster Linie derbe viel Spaß.

Megadeth - Peace Sells But Who's Buying (25th Annversary Edition)

2011-07-15T18:47:00.001+02:00

Unsere Wertung: *****

Was? 25 Jahre ist's schon her?

Aber 1986 war die Welt auch nicht in Ordnung!

Aber zumindest stand die Thrash-Szene noch in voller Blüte. Da waren mit Exodus, Slayer, Vio-Lence oder Lääz Rockit vielversprechende Bands am Start. Metallica hatten sich bereits mit Slayer an die Spitze gesetzt und stachelten damit den Ehrgeiz eines ehemaligen Mitglieds nur um so mehr an.

Die Rede ist natürlich von Dave Mustaine, der drei Jahre zuvor bei Metallica rausgeflogen war und 1985 bereits "Killing Is My Business ... And Business Is Good" abgeliefert hatte. Mit der gleichen Mannschaft - bestehend aus seinem langjährigen Intimus David 'Junior' Ellefson am Bass, Chris Poland an der Gitarre und Gar Samuelson an den Drums - gab es auf dem Vorgänger in Form von "The Mechanix" noch den direkten Battle mit Metallica, die den Song als "Four Horsemen" ihrerseits auf "Kill 'Em All" veröffentlicht hatten.

Mit "Peace Sells" war es '86 schließlich an der Zeit, sich endgültig und ein für alle Mal als eigenständige Band zu etablieren. In spieltechnischer Hinsicht hatte man von Metallica eigentlich nichts zu befürchten, und auch mit ihren nur mäßigen Gesangsleistungen schenkten sich James Hetfield und Dave Mustaine kaum etwas. Dennoch haben gerade die ersten Alben der beiden Bands etwas Magisches und seitdem Unerreichtes. "Peace Sells" wird jedenfalls für immer der Meilenstein sein, an dem sich alle Megadeth-Alben messen müssen.

Mit dem Titelstück ist einer der besten Megadeth Klassiker auf diesem Album enthalten. Der Titel startet mit einem Bassintro und entwickelt sich dann zu einem Midtempo Hammer mit einprägsamem Refrain. "Devil's Island" ist schlagender Thrash der nach zwei Minuten durch einen Riff verschärft wird, der auch von "Killing is My Business" stammen könnte. Ein weiteres Highlight ist der mächtige Thrasher "Black Friday". Man kann sagen was man will, aber die Riffs von Megadeth bei Uptempo Liedern sind einfach unerreicht.

Fitz & the Tantrums - Pickin Up the Pieces

2011-07-15T18:38:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Was für eine erfrischende Kreuzung zuckenden Indie-Pops und klassischer Motown-Melodien, die einem da auf Pickin' Up The Pieces entgegenschallt. Fitz & the Tantrums, das musikalische Sextett um Bandgründer und Sänger Michael Fitzpatrick, swingt derart souverän durch diese knappen vierzig Minuten, als hätten sie kurzerhand den Soul der 1960/70er via Zeitmaschine in das Hier und Jetzt befördert, um diesen dann obendrein noch einer bandeigenen Frischnotenkur zu unterziehen.

Erfrischender Genre-Stil-Mix den ich so auch noch nicht kannte. Sehr hörenswert und sorgt definitiv für gute Laune!!!

Fair to Midland - Arrows and Anchors

2011-07-15T18:36:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Fair To Midland halten sich an keine Konventionen, lassen progressive Arrangements neben eingängigen Popnummern stehen, verbraten harte Gitarren genauso wie fröhliche Banjo-Melodien und würzen das Ganze mit dem unnachahmlich flexiblen, oftmals auch sanften Gesang von Fronter Darroh Sudderth. In Sachen Growls hält er sich einmal mehr deutlich zurück.

Ähnlich wie auf dem Vorgänger verbinden die Texaner einzelne Songs gern mit kleinen Intermezzi. Damit sind die musikalischen Parallelen allerdings weitgehend auch schon genannt, denn beide Alben unterscheiden sich maßgeblich von einander. Dennoch wage ich zu behaupten, dass Fair To Midland auch alte Fans mit "Arrows And Anchors" kaum verschrecken werden.

Schließlich bewegen sie sich immer noch in der Schnittmenge aus Progressive Rock und Alternative und verbinden große Melodien mit viel Energie und tiefgehender Metaphorik. "Arrows And Anchors" ist ein Album, das man bereits nach dem ersten Durchlauf lieben lernt, von dem man aber auch noch lange etwas hat.

3 Doors Down - Time of My Life

2011-07-15T18:32:00.001+02:00

Unsere Wertung: ***

Eine neue 3 Doors Down Platte. Im Prinzip weiß man schon vorher genau, was man auf die Ohren bekommt, wenn man eine Scheibe von den Amis einlegt. Und es kommt wie erwartet: Seit elf Jahren fällt den fünf Herren halt nichts großartig neues mehr ein.

Das ist alles nett, super produziert und keinesfalls ein Total-Ausfall, denn im Prinzip haben die Herren wieder mal alles richtig gemacht. Sie liefern ab, was man als 3DD-Fan erwartet; aber eben auch nicht mehr.

Kommt zurück, wenn ihr eine neue Idee habt, Jungs.

Tech N9ne - All 6'S and 7'S

2011-07-15T12:25:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Tech N9ne kommt mit dem wohl größten (was Aufsehen und Aufmerksamkeit angeht) Album seiner Karriere.
Die Scheibe trägt den Namen "All 6's & 7's". Der Titel ist eine Redewendung aus dem Englischen, die, wie der King Of Darkness erklärt, bedeutet: "A state of confusion or disarray".
Doch die 24 Tracks starke Platte steht für alles andere als für Verwirrung. Nach wie vor mit seinem eigenen Label 'Strange Music' und ohne Radio und Fernsehen bringt Tech N9ne eine Feature-Liste auf, die nur gespickt ist mit Hochkarätern. Das Beste daran ist, dass Tech N9ne mit seinen Lyrics und verschiedenen, überkrassen Flows alle in den Schatten stellt. Vor allem, das ganze Album ist immer noch Tech N9ne, nichts anderes!

Wer Tech N9ne in den Staaten noch nicht kannte, kennt ihn jetzt!
Das Album ging in 3 Billboard-Charts auf Platz 1.
Und mit ca. 56.000 verkauften Scheiben in den ersten 7 Tagen kam Tech auf Platz 4 der Billboard Top 200 (hinter Namen wie Lady Gaga und Adele).
Ich bin mir sicher Tech N9ne ist noch lang nicht am Ende.

"We started in the Midwest. Now we're 'bout to take it all around the world, baby." Glaubt es endlich: Der meint das ernst mit der Weltherrschaft!

Blondie - Panic of Girls

2011-07-15T12:20:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Wenn das kein Grund zum Feiern ist: 2 Wochen nach Debbie Harrys 66. Geburtstag ist das aktuelle Blondie-Album nun auch in Deutschland offiziell erhältlich. Gleich mal hören, was Frau Harry, Herr Stein und Herr Burke 2011 noch so drauf haben; kurz und bündig würde ich sagen: Einiges!

"Panic of Girls" überrascht mit stilistischer Vielfalt, enthält viel Überdurchschnittliches und bietet sogar einige wirkliche Kracher mit Ohrwurm- und Hitqualität. Lediglich 2 Titel auf der Scheibe fallen negativ aus dem Rahmen.

Positiv sind einerseits die Powerpop-Bretter wie z.B. "D-Day", "Mother" (die Single-Auskopplung) und "Love doesn't frighten me" zu erwähnen. Besonders gut gefällt mir der Opener "D-Day" mit seinen wavig-aufgekratzten Vocals und seinem treibenden Rhythmus. Als Kontrastprogramm zum Powerpop etwas Reggae und Lovers Rock gefällig? Auch kein Problem! Alle Fans, die "The Tide is High" schon immer für Blondies größten Wurf hielten, werden auf "Panic of Girls" ebenfalls bestens bedient. Frau Harry covert u.a. den Klassiker "Girlie Girlie" von Sophia George - nett! Bei der Offbeat-Ballade "Sunday Smile" (im Original wohl ein Titel der Formation "Beirut") wird dann Lovers Rock mit Mariachi-Getröte kombiniert - auch das hat was.

Lediglich die Titel "Wipe off my Sweat" und "Le Bleu" hätten sich Blondie wirklich sparen können. "Wipe off my Sweat" ist Latino-Retrodancepop der übelsten Sorte. Gloria Estefan & The Miami Sound Machine waren mit sowas Mitte der 1980er ziemlich erfolgreich; ich fand's damals schon zum Reihern. Gleich darauf vergreift sich Frau Harry mit "Le Bleu" auch noch am französischen Chanson - und vor allem an der französischen Sprache. Schrecklich! Außerdem wünsche ich nicht, dass mir eine 66-jährige ständig "je suis un animal" ins Ohr keucht (zumindest jetzt noch nicht, wenn ich dann selbst über 60 bin, natürlich schon).

Fazit: "Panic of Girls" ist kein Jahrhundertwerk, und Blondie erfindet sich auf die alten Tage mit dieser Scheibe auch nicht nochmal neu. Den New Yorker Veteranen ist aber ein tolles, abwechslungsreiches Album gelungen, das sogar einige richtige Knallertitel enthält. Powerpop mit punkiger Kante plus einige entspannte Reggae-Titel - was braucht eine gute Sommerscheibe denn eigentlich mehr? Deshalb 4 verdiente Punkte und meine volle Sympathie für Debbie und ihre Haudegen! Und das mit "Wipe off my Sweat" und "Le Bleu" kehren wir mal ganz schnell unter den Teppich.

Gus Gus - Arabian Horse

2011-07-06T11:55:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Aufgrund des besonderen und wunderschönen Covers bin ich zum Glück auf diese Gruppe aus Island gestoßen und bin wahrlich begeistert.
Mehr und mehr nehmen einen die 10 Electrotracks in Bann, die allesamt Deep House, Dance, Electro, Dub und Soul kombinieren und wahrliche Perlen der Electromusik darstellen. Sei es das tanzbare "Over" für den Club, "Within me" mit genialen Geigerarrangements oder das hervorragende Instrumentalstück "Benched" am Ende des Albums, das mit seinen 8 Minuten ein kleines Opus darstellt, hier ist wirklich alles gelungen.
Die vier unterschiedlichen Vocals, die sehr soulig und amerikanisch daherkommen, tun ihr Restliches.
Ein echt cooles Album. Perfekte Electromusik der besonderen Art.

Bag Raiders - Bag Raiders

2011-07-06T11:36:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Was verbindet das Synthie-Duo Bag Raiders mit AC/DC? Beide Bands kommen aus Australien und schreiben eingängige Songs. In Deutschland wurden sie bekannt mit ihrem Vodafone-Hit "Way back home", der natürlich auch auf dem Longplayer nicht fehlen darf. Als ich ihn zum ersten mal hörte, dachte ich dass es sich um Cut Copy handelt, die ebenfalls aus Australien kommen. Im Gegensatz dazu haben sie es aber auf Anhieb geschafft ein Album zu produzieren, das durchgängig in die Gehörgänge geht und reichlich Abwechslung bietet.
In der Gesamtheit überzeugt das Album komplett: Kein Hänger, Mut zur Abwechslung, sogar viele Instrumentals. Und bei "Gone away" kann ich mir gut vorstellen, das es noch einmal von AC/DC gecovert wird ;-)

Von wegen One-Hit-Wonder. Die Bag Raiders beweisen mit ihrem Erstlingswerk, dass sie mehr sind, als nur ein kurz aufhellender Stern am Kommerz-Firmament.

Foster the People - Torches

2011-07-04T18:39:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Musikalisch liegen "Foster The People" irgendwo zwischen MGMT, Two Door Cinema Club und anderen Wegbegleitern.
Genau wie bei denen wurde hier mit Torches ein spaßiges und mit wunderbaren Melodien unterlegtes Album produziert, wenn man auch das Gefühl hat, dass es eher kalkuliert wirkt als bei vorher genannten Bands.
Während Pumped Up Kicks sich in den USA schon zum absoluten Publikumsliebling gemausert hat, wird dieser Erfolg auch hier nicht mehr lange auf sich warten lassen.
Gleichwertig gut sind auch Helena Beat als perfekter Einstieg in dieses Album um den richtigen Vorgeschmack zu geben und Houdini, ein fabelhaftes Tanzlied für warme Sommernächte.
Für einen guten Sommer brauche ich genau solch ein Album. Leicht, voller spritzigkeit und handwerklich gut erstellt. Klasse!

Kaiser Chiefs - The Future Is Medieval

2011-07-01T12:36:00.002+02:00

Unsere Wertung: ****

"The Future Is Medieval" ist in seiner Gesamtheit ein Songwriting-Crossover auf höchstem Niveau. Die Kaiser Chiefs im Jahr 2011 lassen sich in keine gängige Schublade verfrachten. Fans der ersten Stunde werden es nicht hören wollen, aber es bleibt spannend zu erwarten, wohin ihre Reise die Band noch führen wird. Von künstlerischem Mainstream oder gar Stagnation sind die Engländer jedenfalls so weit entfernt, wie Pietro Lombardi vom King Of Pop-Titel.

Limp Bizkit - Gold Cobra

2011-06-30T14:37:00.000+02:00

Unsere Wertung: ****

Zu aller erst will ich sagen, hätte mir im Oktober 2000 jemand gesagt, dass es 10 1/2 Jahre dauern wird, bis der rechtmäßige Nachfolger zu "Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavoured Water" erscheint, ich hätte ihn für verrückt erklärt!
Die LP klingt einfach nach 1999/2000, es ist wie eine Art Zeitreise und bringt mir einige schöne Errinerungen an eine Zeit, in welche Nu Metal/Crossover die Speerspitze war, und meinen Musikgeschmack entscheident geprägt hat.
Fast jeder einzelne Track auf dem Album ist klasse! Leider fallen dann die letzten Tracks dann etwas ab.

Patrick Wolf - Lupercalia

2011-06-30T14:30:00.000+02:00

Unsere Wertung: ****

Wieder ein hervorragendes Album von Patrick Wolf und genau wie bei den Vorgängern reiht sich hier ein klasse Stück an das andere. Die CD ist etwas poppiger und sanfter gehalten, als man es von Wolf gewohnt ist. Insgesamt ist die CD eingängiger als die bisher erschienenen. Die ersten Stücke gehen mit nur kurzer Unterbrechung ineinander über und ergeben einen tanzbaren "Lupercalia"-Reigen.

Lupercalia war ein Aufnahme-Fest junger Leute im alten Rom, auf dem man sich reinigte, feierte und die Fruchtbarkeit zelebrierte.

Für mich ist Patrick Wolf einer der experimentierfreudigsten, mutigsten und innovativsten Musiker der letzten Jahre. Ein junger Mann, der sich von Album zu Album weiterentwickelt. Für ihn ist Musik wirklich Kunst. Seine Musik ist ausdrucksstark wie kaum eine andere.

"Lupercalia" ist wieder ein klasse Album.

Scott Matthew - Gallantry's Favorite Son

2011-06-30T14:25:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Sehnsüchtig erwartet wurde das neue Album von Scott Matthew. Es gibt (zum Glück!) keine negativen Überraschungen oder irgend welche zwanghaften Versuche, seinen Stil zu ändern. Scott setzt das fort, was er bereits mit ELVA SNOW und den beiden ersten Scott M. Alben begonnen hat - und ist und bleibt der Troubadour der Stunde. Niemand aus diesen Gefilden vermag es wie er, tiefste Romantik ohne Kitsch ins Hier und Jetzt zu übertragen! Unsagbar schön. Punkt. Wenn nur nicht jetzt Sommer wär!

Selah Sue - Selah Sue

2011-06-29T14:51:00.000+02:00

Unsere Wertung: ****

Langsam bekommt das Ganze Methode. Nachdem sich Milow mit seinem vierten Album endgültig als internationale Größe etabliert hat und erst kürzlich die neue Platte von "Hooverphonic" reingeschneit ist, steht mit Selah Sue bereits der dritte belgische Act in den Startlöchern. Und auch hier überrascht es wie selbstverständlich die 22-jährige zwischen den Musikgenres balanciert. Soul, Jazz, Funk, Reggae und Hip Hop wachsen zu einem einnehmenden Mix zusammen. Dem ersten Plattenvertrag folgt schnell ein Duett mit Cee-Lo Green (Please), welches auf dessen Erfolgsalbum "The Lady Killer" Platz findet. Ihre Singles "Raggamuffin" und "Crazy Vibes" ebnen ihr den Weg in die Charts in Belgien, Frankreich und den Niederlanden. Darüber hinaus wird sie bei den heimischen Music Industry Awards Anfang 2011 als beste Solokünstlerin ausgezeichnet

Warum also nicht Europa? Oder gleich die ganze Welt? Fest steht, ihr selbst betiteltes Debüt funktioniert Grenzen übergreifend. Gesegnet mit einer rauchigen, ausdrucksstarken Stimme und dem nötigen Selbstverständnis macht sie als weiblicher MC ebenso eine gute Figur wie als gefühlvolle Sängerin. "This world" eröffnet als Tempo gedrosselte, anmutige Nummer im Stile von "En Vouge". Es folgt "Peace of mind". Neben ihrem sirenenartigen Gesang rappt die Belgierin auch erstmals ihre Lyrics ins Mikrophon. "Nod ya head" ist die Devise. "Raggamuffin" macht seinem Titel alle Ehre und erinnert an alte Nelly Furtado Tage. "Crazy Vibes" ein weiterer Beleg dafür wie vielseitig ihr Gesang funktioniert. Ein Hauch von Retro Sound liegt in der Luft, während sie mit ihrer Stimme die große Bühne eröffnet. "Black party love" auf der vorhergehenden EP noch als reduzierte, atmosphärisch dichtere Ausgabe veröffentlicht, wird nun durch tanzbaren Groove, Bläser und einnehmende Melodien aufgebaut. "Mommy" eine akustisch gehaltene Ballade, die den Fokus noch weiter auf die Sängerin richtet. "Please" (feat. Cee-Lo Green) pendelt irgendwo zwischen hypnotischem Sound und James Bond Soundtrack. Immer wieder eifert sie Vorbildern wie Lauryn Hill oder Erykah Badu nach ohne aber ihre eigene Identität abzugeben. "Selah Sue" funktioniert als Sommerplatte, als Waffe gegen Depressionen (oder dafür), ist gleichermaßen tough und verständnisvoll und bestätigt die besondere Aufmerksamkeit, die derzeit auf die junge Dame gerichtet wird.

Ada - Meine Zarten Pfoten

2011-06-15T09:58:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Alle sind verzaubert von den verträumten Melodien, die Ada über ihre locker dahinhüpfenden Grooves legt. Mit "Meine Zarten Pfoten" liefert uns Ada ein tolles Sommeralbum mit ganz viel Charme.

"Meine zarten Pfoten" ist das Album, auf das alle seit Jahren gewartet haben. Es ist nach "Blondie", damals via Kompakt veröffentlicht, ihr zweites Album und erscheint auf DJ Kozes angesagtem Pampa Label. Im weitesten Sinne ist es Pop mit Ausflügen in die Genres House, Chanson und Electronic. Ada aka Michaela Dippel hat alle Instrumente selbst eingespielt und die Tracks klingen luftig, leicht und extrem stimmungsvoll. Als Gäste sind u.a. DJ Koze, Luscious Jackson, No Kids und Audision mit von der Partie! "Meine Zarten Pfoten" ist jetzt schon ein heisser Anwärter auf das Sommeralbum des Jahres!

Lexy & K-Paul - Psycho

2011-06-10T11:18:00.000+02:00

Unsere Wertung: ****

Ich kann das Album nur jeden empfehlen, der mit Dance-Music etwas am Hut hat. So ein abwechslungsreiches Album habe ich schon lange nicht mehr gehört! Es hat Nivou und Stil. Bravo!
Mehr braucht man dazu eigentlich gar nicht sagen!!!

Thurston Moore - Demolished Thoughts

2011-06-09T09:29:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

"Demolished Thoughts" ist das dritte Solo-Album von Thurston Moore von Sonic Youth nach dem 1995er "Psychic Hearts" und dem 2007er "Trees Outside the Academy". Produziert wurde es von seinem alten Freund Beck, der sich auch an diversen Instrumenten betätigte. Famose Kontrapunkte zu Moores folkigem Gitarrenspiel setzt die Harfe von Mary Lattimore und das Geigenspiel von Samara Lubielski. Mit unglaublich berührenden, melancholischen Folksongs auf dem komplex arrangierten Album zeigt sich Moore mal von einer ganz anderen Seite, als klassischer Songwriter.

Was Moore hier zusammen mit Beck gemacht hat, die Reminiszenzen inklusive. Ein bischen Hunky Dory und eine deutliche Verbeugung vor Nick Drakes Werk, kein bischen altersschwach.

Moore wird 53 und darf so ein Album machen. Er verliert dabei überhaupt nicht wie so mancher Mitstreiter, der sich eher der Lächerlichkeit preisgibt, sondern zeigt dichte Klangstrukturen, die sich zu einem akkustischen Soundteppich verweben, aufs erste Ohr nicht zu erfassen, mehrmals wills gehört sein und mit Muse.

Jessie J - Who You Are

2011-06-04T12:30:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Hoppala!
Jessie, Dich hab ich unterschätzt und dich voreilig in eine Schublade ala Gaga und Konsortinnen gesteckt.
Sorry! Es tut mir echt leid!
Neben traditioneller Dance-Instrumentierung frischt Jessie J ihre Darbietungen punktuell mit Pianoklängen und Gitarren auf, so dass der typisch klinische Einheits-Pop -Sound relativ selten durchbricht. Songs wie "Price Tag", "Do It Like A Dude" oder auch "Nobody's Perfect" dürften jede Tanzfläche zum Kochen bringen - ohne dass die Hüfteschwinge primär durch Beats angeregt würden.

Kantige Raps in Verbindung mit fulminanter Gesangsstimme, die besonders in den Refrains opulent zum Tragen kommt, sorgen hier schon allein für das unkontrollierbare Verlangen nach Bewegung. Und so sorgen gerade die Songs für die eigentlichen Höhepunkte, in denen Jessie J die Instrumentierung gen Null fährt und nur noch ihre Stimmgewalt im Fokus steht.

Spätestens mit balladesken Stücken wie "Big White Room", "Casuality Of Love" oder dem intensiven "Who You Are" zum Abschluss läuft sie besagten Lady-Pop-Kolleginnen den Rang ab und darf bis auf Weiteres das schönste und größte Zimmer in der Gaga-WG beziehen.

Black Stone Cherry - Between the Devil & the Deep Blue Sea

2011-06-04T12:23:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Black Stone Cherry sind eine Band, die mich seit dem selbstbetitelten Album von 2006 immer wieder überrascht haben. Allein schon dass alle noch recht jung sind und der Shoutern Chris Robertson eine super Souther Rock Stimme an den Tag legt ist sehr stark. Studio Album Nummer drei (ohne EP's und dem Live Album) klingt fast genauso.

Die Tracks auf "Between The Devil And The Deep Blue Sea" klingen ausgereifter und professioneller. Das könnte aber auch an Produzent Howard Benson liegen, der dem Album seinen Stempel aufgedrückt hat. Man merkt dem Album an, dass Howard Benson u.a. Bands wie Theory Of A Deadman und Daughtry produziert hat. Die Songs klingen dadurch etwas nach diesen Bands, sowohl auch Nickelback. Der Kentucky Vierer macht seine Sache aber wieder gut und bringt mit "White Trash Millionaire", "Like I Roll" oder auch "Let Me See You Shake" einige Southern Rock Perlen zum Vorschein, die man nicht verpassen sollte.

Das Album ist sehr gut produziert, was mit Sicherheit etwas mit Howard Benson zu tun hat. Ist auch in Ordnung, warum sollte man nicht mit einem Top Producer zusammen arbeiten, wenn man die Möglichkeit bekommt. Das Album ist sehr ausgefeilt und die Jungs haben sich weiter entwickelt, denke ich. Was mir hier etwas fehlt ist die roughness der ersten Alben und das gefiel mir besonders am ersten Album sehr gut. Deshalb vergebe ich hier vier Sterne, weil mir das hier etwas fehlt, trotz der guten Songs.

Frank Turner - England Keep My Bones

2011-06-04T12:20:00.000+02:00

Unsere Wertung: ****

Englisch bis auf die Knochen.

Na, wer wird denn so pessimistisch sein? Oder ist es einfach nur Heimatliebe, die Frank Turner dazu bringt, sich um den posthumen Verbleib seiner Knochen zu sorgen. Immerhin war 2010 ein verdammt gutes Jahr für den englischen Songwriter. Die Single "I Still Believe" rotierte im Inselradio, Turner selbst wurde vom "NME" für die Kategorie "Best Solo Artist" nominiert und "Kerrang!" verlieh ihm den prestigeträchtigen "Spirit Of Independence"-Award.
So kann s 2011 mit Album Nummer vier gerne weitergehen: "England Keep My Bones" entstand zusammen mit dem Hold-Steady-Keyboarder Franz Nicolay, den Folksängern Emily Barker und Chris T-T sowie Andy Yorke von Unbelievable Truth.

Die fünfzehn (15) Songs auf der limitierten CD gehören mit Sicherheit zum Besten, was der ehemalige Sänger von Million Dead in seiner Solokarriere je eingespielt hat.
Für Fans von Against Me!, Billy Bragg, Chuck Ragan und Gaslight Anthem.

Peter Murphy - Ninth

2011-06-04T12:16:00.001+02:00

Unsere Wertung: *****

Bauhaus-Murphys neuntes Opus ist in gewisser Weise ein Meilenstein geworden. Ein Meisterwerk. Etwas Geniales. Der große Verdienst liegt nicht nur in seiner Homogenität und melodischen Fülle. Es ist vielmehr ein Prototyp, ein echtes Brückenalbum geworden.
Gothic Rock als kongenialer Partner einer menschenfreundlichen Weltsicht im Dienste der Liebe, geprägt vom muslimischen Sufismus. Das ist gänzlich neu!
Peter Murphy ist lebendiger als je zuvor. Er schießt hier eine Scheibe lässig aus der Hüfte, auf die man letzten Endes seit "Burning From The Inside" wartet. Und das sind immerhin drei Dekaden. Klasse!

Arctic Monkeys - Suck It and See

2011-06-03T13:31:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Sieht man sich die aktuellen Bilder der Arctic Monkeys an, möchte man gar nicht glauben, dass die Jungs aus Sheffield als Band schon fast zehn Jahre und vier Alben alt sind. Gestartet als eine der ersten Formationen, die sich ihren Bekanntheitsgrad über die eigene Website selbst erwarben, haben sie mittlerweile allerdings nicht nur ihre Unschuld, sondern auch gehörig an Tempo verloren. Denn wenn die ersten beiden Alben "Whatever People Say..." und "Favourite Worst Nightmare" noch von einem zackig rotzigen Haurucksound geprägt waren, ging es mit Humbug" und Vorzeigestoner Josh Homme konsequent in die Breite, die Songs wurden schwergewichtiger, weniger gefällig - auch erwachsener.

Das neue Album, wieder unter Hommes Regie, bleibt zumeist treu in der Spur - wo früher mit wippendem Stick eingezählt wurde, zwingen heute anfangs fette, sämige Gitarren den Sound ins Metallkorsett. Manchmal, wie bei "Brick By Brick" oder "The Hellcat Spangeled..." klingt das ein wenig zu simpel, dagegen gelingen mit dem Opener "She's Thunderstorm", dem schwelgerischen "Black Treacle" und der zweiten Singleauskopplung "Don't Sit Down Cause I`ve Moved Your Chair" feine, urbritische Rockschwarten. Bei "Library Pictures" wird dann tatsächlich mal die Schlagzahl erhöht - angenehme Frischluftzufuhr.

Für's letzte Drittel wurden dann aber überraschenderweise alle Widerhaken entfernt: "Reckless Serenade" und "Piledrivers Waltz" eröffnen den Reigen verträumter Singalongs, das dunkle und grandiose "Love Is A Laserquest" erinnert mit seinem matten Schimmern an "Dance Little Liar" vom Vorgänger. Auch der Titelsong ist ein wunderbar eingängiges Leichtgewicht - "I poured my aching heart into a popsong, I couldn't get the hang of poetry, that's not a skirt, girl, that's a sawn-off shotgun, and I can only hope you've got it aimed at me", ach, jung sein ... Eine seltsame Zweiteilung also, an die man sich erst gewöhnen muß, vielleicht zeugt diese Unentschiedenheit ja von einer wenig ausbalancierten Grundspannung - die Jungs wollen noch, nur wissen sie nicht so genau, was und wohin. Da mag sich vorerst jeder das ihm Nächstliegende heraussuchen und einfach auf Kommendes warten.

Kitty, Daisy & Lewis - Smoking in Heaven

2011-05-31T09:38:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Die drei Geschwister aus London veröffentlichen nach dem Sensationserfolg des Debüts ihr zweites Album, das den authentischen Geist der 40er bis 60er Jahre atmet und stilistisch einige neue Türen öffnet.

Die Durhams hängen nach wie vor schwerelos zwischen den Epochen und begeistern mit dieser Authentizität mittlerweile die ganze Welt. Wie auf dem Debüt liegen auch auf "Smoking In Heaven" die Wurzeln im Rock `n` Roll, Country, Jazz und Rhythm & Blues, die sie erstmals um Einflüsse des Jamaican Ska erweitern. Die Musik haben die drei sprichwörtlich im Blut - Vater Graeme betreibt ein Tonstudio, Mutter Ingrid war lange Zeit Schlagzeugerin der Raincoats. Aufgenommen wurde das Album direkt bei den Durhams zu Hause mit analogem Vintage Equipment (u.a. dem 8-Spur Mischpult aus den alten Motown Studios). Ein absolut erfrischendes Gegenstück zur cleanen Digitalsound der gegenwärtigen Popmusik.

Ach ja: Vorsicht!

...beim Abspielen im Auto kann man die Füße kaum still halten und die Hände versuchen stets Schlagzeug und/oder Bass zu spielen ;-)

Heather Nova - 300 Days At Sea

2011-05-31T09:34:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Heather Nova ist seit den 90ern die Lichtgestalt der weiblichen Singer/Songwriter Liga. Ihr gefühlvoller Gesang, die besondere Verbindung von melodiösem Pop-Rock und zerbrechlich anmutender Lyrik und vor allem ihre natürliche Bühnenpräsenz begeistern Musikkritiker und Fans bis heute. Kein Wunder, dass ihr mittlerweile achtes Studioalbum 300 Days At Sea mit großer Spannung erwartet wird.
Ganz anders als ihre früheren Aufnahmen, die in London und L.A. entstanden, schreibt sie die Songs für 300 Days At Sea in idyllischer Isolation.
Mit neu entflammter musikalischer Vision arbeitet sie am neuen Album und nimmt im eigenen, solarbetriebenen Studio auf. Leidenschaftlicher, rockiger und intensiver denn je geraten die 12 Tracks, die dem Zuhörer wie vertonte Kurzgeschichten erscheinen.

Das Album wird mit jedem Mal hören betörender! Der Sound ist frisch und neu für Heather. Das Album bewirkt ein schönes Gefühl. Heathers Stimme ist besonders bei den ruhigen Songs gefühlvoller denn je. Sie hat mich mal wieder verzaubert.

Amorphis - The Beginning of Times

2011-05-31T09:31:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Es gibt Bands, denen man ihren Erfolg einfach von Herzen gönnt. Weil sie talentiert sind, weil sie hart gearbeitet haben, weil sie nette, intelligente Menschen sind und weil sie einem Laufe der Jahre mit ihrer Bühnenenergie verdammt viele Festivals versüßt haben. Auf Amorphis treffen all diese Attribute zu, und umso schöner ist es, dass sie sich in den vergangenen Jahren so eindrucksvoll die Chefetage zurückgerifft haben. Eigentlich standen sie vor knapp einer Dekade schon auf der Absteiger-Liste, ihr Majorlabel-Werk FAR FROM THE SUN ging vielen Headbangern stilistisch zu weit, sie wandten sich ab. Doch nach dem Einstieg von Tomi Joutsen im Jahr 2005 haben sich Amorphis gefangen, ihre Stärken in den Vordergrund gerückt und dadurch ihr Profil deutlich geschärft. Mit dem geradlinigen ECLIPSE (2006), dem etwas detailverliebteren SILENT WATERS (2007) und schließlich dem 2009er-Hymnenmonster SKYFORGER ist es ihnen gelungen, sowohl die alten Fans zurückzugewinnen als auch neue Hörer an sich zu binden das schaffen nicht viele Acts.
Und auch an THE BEGINNNG OF TIMES werden beide Fraktionen ihre Freude haben. Denn stilistisch schließt das zehnte Amorphis-Album nahtlos an die Vorgängerplatten an. Veränderungen gibt es lediglich in homöopathischen Dosen: ein wenig mehr klarer Gesang, etwas verspielter als das letzte Werk ('Three Words'), doch insgesamt besinnen sich die Finnen beim Songwriting auf das, was sie am besten können: die Verbindung von prägnanten Melodien, charakterstarken Riffs und Grooves, zu denen die Haare (gerne auch: Dreads) ordentlich rotieren können. Ein Beispiel dafür: 'My Enemy', ein Stück, das sich sofort im Ohr festkleistert, aber dennoch durch etliche Growl-Einlagen und kraftvoll hackenden Gitarreneinsätze nicht in seichte Gefilde abdriftet. Alles eine Frage der Balance eben. Es darf gerne auch mal poppig sein, wenn direkt danach ein Stück wie 'Song Of The Sage' in bester Power Metal-Manier losrappelt. Hier macht sich die langjährige Erfahrung von Esa Holopainen & Co. bemerkbar: Sie spüren intuitiv, wann der richtige Zeitpunkt gekommen ist, um einen Stimmungswechsel zu wagen, das Tempo anzuziehen, einen großen Refrain einzuflechten. Das macht THE BEGINNING OF TIMES, das sich inhaltlich mit dem Kalevala -Helden Väinämöinen beschäftigt, zu einem vielleicht nicht überaus überraschenden, aber doch insgesamt über aus abwechslungsreichen und konsequenten Album, das bei jedem Hördurchlauf für größere Freude sorgt.

Petra Schurer / Metal Hammer (Album des Monats Juni 2011)

Pietro Lombardi - Jackpot

2011-05-31T09:26:00.001+02:00

Unsere Wertung: *

Liebe Album-Käufer: Für wie blöd darf man euch eigentlich verkaufen?

Das Bohlen'sche Hit-Fließband mit gekleisterten Effekten aus der Ramschkiste hat wieder zugeschlagen. "JACKPOT" heißt die Mördernummer.
Ein Pietro der die Vokale schluchzend in die Länge zieht, kaum einen Ton halten kann und das schlimmste ist, dass er nicht versteht, was er singt. Jodelei vom feinsten.

Das Album besteht aus gemopsten Songs, Bierzelt-Gejohle und Kirmes-Mitklatschnummern. Aber das unterirdischste sind die unsäglichen Texte. GRAUENHAFT.

Ab in die Tonne damit.

Lady Gaga - Born This Way

2011-05-24T12:09:00.001+02:00

Unsere Wertung: **

GaGa, wie gewohnt!

Lady Gaga versteht die Inszenierung. Sie landet Performance-Acts statt wirklicher Hits. Im kollektiven Gedächtnis bleibt dieses überschrill produzierte Glam-It-Produkt mit künstlerischem Anspruch auf alle Fälle, jedoch kein einziger Song, der auf diesem Album liegt.

Retro Stefson - Kimbabwe

2011-05-20T11:31:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Retro Stefson stammen aus Island. Diese Band macht keine mystisch-sphärische Musik mit Texten in Fantasiesprachen. Retro Stefson machen Afro-Heavy Metal-Disco-Pop mit 8-Bit-Electro-Versatzstücken, Steel-Drum-Einlagen und Dancehall-Beats. Stets tanzbar, nie langweilig. Genreschubladen? Drauf geschissen.

Entgegen gängigen Vorstellungen von isländischer Musik (mystisch, entrückt, atmosphärisch) klingt die Band aus Reykjavik vollkommen unbekümmert. Die knapp 20-jährigen Musiker wirbeln bedenkenlos Stile durcheinander, reihen karibische Rhythmen an Disco-Bassläufe und verblüffen mit überraschenden Breaks. Tanzen soll man, aber immer zum gleichen Musikstil? Wär' doch langweilig.

Mit "Mama Angola" liefert die Platte den ersten Killertrack. Hier schwurbeln afrikanische Rhythmen, lässt einem das "Oooh oh oh oh" des Refrains und das "Mama Angola" der Strophe nicht mehr los.

Unbestrittener Übertrack ist "Kimba", ein Song, der schon länger im Netz kursiert und der Band nicht zuletzt wegen des grundsympathischen Musikvideos Einiges an Aufmerksamkeit eingebracht hat.

Das von kindlichen Synthies und Dancehall-Beats geprägte "Karamba" wiederholt im eher nachdenklichen Refrain stetig den Songtitel. Obwohl man keine Ahnung hat, was "Karamba" bedeutet, kann man nicht anders als mitsingen.

"Senseni" erinnert zu Beginn an den Wüsten-Blues von Tinariwen und entwickelt sich zu der Tanznummer der Platte schlechthin, nur um dann ab der vierten Minute in uninspirierten Eurodance abzudriften. Hier wäre - ausnahmsweise - weniger mehr gewesen.

Retro Stefson pflanzen einem unweigerlich ein Lächeln ins Gesicht. Vor ihren Auftritten umarmen sich die sieben Teens sogar im Kreise und brüllen Schlachtrufe. Die Shows sind ungezwungen, voller Energie. Es fühlt sich an als ob diese Band wirklich nichts anderes machen will als gerade jetzt, gerade hier und nur für dich Musik zu machen. Retro Stefson sind unverbraucht, jugendlich - und ja, man darf es so sagen: erfrischend anders.

Mona - Mona

2011-05-19T18:26:00.001+02:00

Unsere Wertung: *****

Hammer Band...großartiges Album!!!
Ein Kollektiv, das sich anschickt, den Rock'n'Roll zu retten.
Mona haben sich viel vorgenommen. An mangelndem Selbstbewusstsein werden die vier Lederjacken-behangenen Zeitreisenden aus der James-Dean-Ära jedenfalls nicht scheitern. Mona wollen mit ihrem Debüt nicht weniger erreichen, als dem Musik-Zirkus seine Menschlichkeit zurück zu geben.

Einzelne Song-Highlights aus diesem Album herauszupicken fällt ungefähr genauso schwer wie der Glaube an eine langfristige Karriere der Superstars von DSDS.

Mona packen einen da wo es besonders weh tut, pflegen die Wunden, die sonst keiner sieht und lassen dich nach fünfunddreißig Minuten in einem Sauerstoff-Zelt nach Atem ringen.

Mit faszinierenden Melodiebögen bohrt Mona in der klaffenden Wunde aus Lust und Schmerz. Wie von Geisterhand gesteuert bewegt sich der zitternde Finger in Richtung der Repeat-Taste. Auf ein Neues.

Wahnsinn. Bin wirklich begeistert! Muss jetzt erst einmal weiter Mona hören...

MOOOOOONNNNNNNAAAAAAAAA!!!

Blitz the Ambassador - Native Sun

2011-05-19T11:36:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Samuel Bazawule aka Blitz The Ambassador verließ einst sein Heimatland Ghana für ein Studium in New York. Nun beschreitet er musikalisch den Weg in die umgekehrte Richtung: "Native Sun" steht ganz im Zeichen Afrikas und ist trotzdem Hip Hop at its best.

Blitz vermischt Afro mit Rap, R'n'B mit traditionellen Gesängen, hypnotische Trommeln mit Scratches, Afrika mit den USA und Europa. Er rappt auf englisch, im ghanaischen Twi-Dialekt und in der afrikanischen Pidgin-Sprache.
Alles zusammen verschmilzt ganz natürlich zu einem von innen wärmenden Soundteppich, keines der einzelnen Elemente drängt sich unangenehm in den Vordergrund.

Wenn Hip Hop sich auf derart reflektierte, experimentierfreudige Künstler verlassen kann, sieht die Zukunft rosig aus. Ansonsten nicht!

Moby - Destroyed

2011-05-19T11:27:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Moby wie er leibt und lebt: Melancholisch, düster und zum Träumen verführend! Ein tolles Album!

Was mir besonders gut gefällt ist, dass Moby mit "destroyed" wieder zurück zu seinen elektronischen Anfängen geht und mit vielen Soundexperimenten wundervolle Melodien schafft, die unter die Haut gehen. Bis auf die Single "The Day" (die ich auch klasse finde), ist die Platte nicht ganz so rocklastig wie die Scheibe zuvor.

"Be the one" ist der absolute Feger!

Sicherlich hat sich Moby nicht neu erfunden, aber er hat das was er am besten kann, nämlich elektronisch-melancholische Klangwelten erschaffen, in diesem Album wieder großartig umgesetzt. Für Moby-Möger eine absolute Kaufempfehlung! Und für alle anderen auch!

Classified - Handshakes and Middlefingers

2011-05-19T11:23:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Der verdiente kanadische Rapper Classified legt mit diesem Album bereits seinen dreizehnten Longplayer vor. Jedoch ist es das erste Album seit seinem Debüt von 1995, das nun durch das renommierte New Yorker Label Decon international veröffentlicht wird. Durch Videos auf MTV Kanada, diverse lokale Auszeichnungen und Touren mit Snoop Dogg, Busta Rhymes, Ludacris oder Nas gehört er zu den erfolgreichsten Rappern seines Landes. Es ist längst Zeit, dass auch die internationale Hip Hop-Szene seine Musik zu Ohren bekommt.

Denn!!!!

Warum dieser Mann nie über den großen Teich richtig vorgestellt wurde und hier immer noch allerhöchstens ein Geheimtipp ist?

Rätselhaft, absolut unverständlich!

Das ist mit Abstand das Beste, das ich in diesem Genre seit einer ganzen Weile zu hören bekommen habe. Nicht nur der Flow, das Storytelling, der Inhalt und die Beats stimmen, beeindrucken und überzeugen. Auch die Person Classified an sich macht einfach einen unverdorbenen Eindruck, fernab von jeglicher Arroganz und nervigem Bling-Bling-Getue. Das ist ein Rapper, der etwas zu sagen hat. Jemand, dem es nicht um das schnelle Geld geht, sondern um die Sache. "You'll never see my shirt wide open / With the chest hair blowing in the wind." Und das ist auch verdammt nochmal richtig so!

Sade - The Ultimate Collection

2011-05-19T11:17:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Der Titel ,Ultimate Collection' hält ja eigentlich nie was er verspricht, aber im Falle dieser Zusammenstellung ist man tatsächlich sehr nah dran. Bis auf das Instrumental ,Sempre Hay Esperanza' und ,Cherry Pie' fehlt hier eigentlich nichts Essentielles der wunderschönen Chanteuse. Bei den Remixes hätte man statt ,The Moon And The Sky' noch den Ronin Remix von ,Paradise' draufpacken können, aber das eh hier vertretene Original ist ohnehin sehr gut. Die DVD mit den Videos ist natürlich - wegen Sade - ein zusätzlicher Augenschmaus und daß die Songs chronologisch angeordnet sind macht auch Sinn, denn es zeichnet die Entwicklung vom Jazz-Pop zu den fast dub-mäßigen - leicht an den Trip-Hop erinnernden - Stücke perfekt nach. Die neuen Tracks? Nun ja - das akkustische , Still In Love WIth You' ist ein guter song (besser als vieles auf ,Soldier Of Love') und ,Love Is Found' hat einen ruhigen und doch eigenartig beunruhigenden touch (hätte auch gut auf die letzte Massive Attack gepaßt) und einen guten Groove, aber ,I Would Never Have Guessed' ist schwach.

Das remastering ist exzellent, denn das klingt nun alles viel transparenter und klarer, ohne diese Heimeligkeit zu verlieren, die der Musik von Sade zu eigen ist. Eigentlich braucht man von Sade nicht mehr als diese (fast) rundum gelungene Zusammenstellung.

Danger Mouse & Daniele Lupi - Rome

2011-05-19T11:09:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Reise ins analoge Zeitalter mit den Stimmen der Grammy-Preisträger Jack White und Norah Jones. Der "Produzent des Jahrzehnts" ("Paste"-Magazin) schreibt schon wieder Musikgeschichte: Zusammen mit dem italienischen Star-Komponisten Daniele Luppi ("Nine", "Sex And The City") veröffentlicht Danger Mouse (aka Brian Burton) das Album "Rome".

Fünf Jahre haben beide Künstler an dem Projekt gearbeitet. Das Ergebnis ist eine Zeitreise in die Ära vor dem Computer, ohne elektronische Effekte und Tricks. Analog statt digital. Burton und Luppi setzen mit Rome der klassischen italienischen Filmmusik ein monumentales Pop-Denkmal. Statt aufwendiger Technik legen sie den Schwerpunkt auf Handwerk und Kunst: Mit Musikern, die schon an Sergio Leones Kino-Klassikern "Once Upon A Time In The West" (deutscher Titel: "Spiel mir das Lied vom Tod") oder "The Good, The Bad & The Ugly" (deutscher Titel: "Zwei glorreiche Halunken") mitwirkten, entstand ein außergewöhnliches Pop-Album voller Nuancen, intensiv und düster, aber auch zugleich leicht und erhebend. Ein Werk mit einem einzigartigen modernen Sound, dennoch von traditionellen und klassischen Praktiken geprägt.

Burton und Luppi sind Perfektionisten: Sie buchten das legendäre Ortophonic Studio in Rom (jetzt Forum), wo schon der legendäre Ennio Morricone arbeitete, suchten sich passendes Equipment aus den Sechziger und Siebzigern und nahmen live auf Band auf. Für die beiden Leadstimmen gab es kaum eine bessere Wahl: Burton konnte Jack White von den White Stripes (bisher 3 Grammys in der Kategorie "Best Alternative Music Album") überzeugen, die männliche Stimme für "The Rose With The Broken Neck", "Two Against One" und "The World" zu übernehmen, die dieser in Nashville einsang. Die neunfache Grammy-Preisträgerin Norah Jones auf der anderen Seite zeichnete für den weiblichen Part verantwortlich und sang "Season's Tree", "Black" und "Problem Queen" in Los Angeles ein.

Im digitalen Zeitalter wirkt Rome wie ein wundersamer Anarchronismus. Ein Album, wie gemacht für die Ewigkeit, von Menschen, die an die Langlebigkeit von guter Musik glauben.

Sick Puppies - Tri-Polar

2011-05-06T10:15:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Nachdem ich das Album nun den ganzen Tag gehört habe, muss ich sagen, dass es richtig gut ist.
Mich zieht diese Scheibe jedesmal wieder in ihren Bann, vom ersten bis zum dreizehnten/letzten Titel.
Tolle Melodien, die sofort ins Ohr gehen und auch so schnell nicht wieder raus.

Ob Sick Puppies nun Mainstream-Musik machen oder nicht, darüber lässt sich (wie so häufig) streiten. Ich möchte mich an solchen Diskussionen eigentlich nicht beteiligen, aber für einige scheint das ein nicht so unbedeutender Faktor zu sein. Meines Erachtens kann man schon sagen, dass es sehr nahe am Mainstream ist, aber eben verdammt gut gemacht, was heutzutage viel zu selten der Fall ist.

Ich kann die CD mit bestem Gewissen für Leute, die auf modernen Alternative-Rock stehen, weiterempfehlen.

Blackmail - Anima Now!

2011-05-06T10:08:00.000+02:00

Unsere Wertung: ****

Nachdem Blackmail nach 14 Jahren Bandgeschichte und einem großartigen Album nach dem anderen im Jahr 2008 die Trennung von Sänger (und Seele) Aydo Abay bekannt gaben, dachte ich eigentlich: Das wars.
Doch nachdem Gitarrist und Mastermind Kurt Ebelhäuser mit seiner Band Scumbucket (Sarsaparilla) im letzten Jahr ein Spitzenalbum abgeliefert hatten darf man sich in diesem Jahr wieder über ein neues Blackmail Album freuen.
Sänger Matthias Reetz, der vorher mit Junias (Signal) als Vorband von Blackmail unterwegs war füllte die riesige Lücke, die Aydo Abay hinterlassen hatte.
Dass Reetz nicht in einem "Aydo-Abay-sing-alike"-Casting ausgewählt wurde, wie die Band betont, merkt man vom ersten Ton der Platte an. Das Songwriting ist absolut unverkennbar Blackmail, gegenüber dem Vorgänger "Tempo, Tempo" ist kaum ein Bruch zu merken, es wurde nicht das gesamte Bandkonzept umgekrempelt. Dadurch drängt sich der Vergleich der beiden Sänger natürlich noch stärker auf.
Reetz, "der Neue" passt gut zum Charakter der Songs, fängt die Stimmung gut ein und bringt sie souverän rüber. Aus dem übergroßen Schatten des Vorgängers kann er allerdings nicht hervortreten, die Stimme ist nicht so charakteristisch und brennt sich nicht so ein, wie es die Songs mit Aydos Beteiligung taten.

Nichtsdestotrotz ist Anima Now! ein prima Album, dass Blackmail-Fans lieben werden und sich alle Alternative-Rock Fans unbedingt anhören sollten (um sich im Anschluss noch alle alten Blackmail-Platten zu kaufen ;-) ).

Als Anspieltipps würde ich "Monographic Doll" und "Telescope" empfehlen"

The Wombats - This Modern Glitch

2011-04-29T11:53:00.001+02:00

Unsere Wertung: *****

Wären die Wombats nicht längst für ihren Tanzflächen-sprengenden, infektiösen Indie-Pop bekannt, man wäre glatt verblüfft, wie scheinbar nonchalant die Briten einen Dance-Knaller nach dem anderen heraushauen. Eine solche Hit-Dichte auf einem zweiten Album? Das erwartet man nicht, vor allem dann nicht, wenn ein Debüt derart überschwänglich bejubelt wurde, wie das der Liverpooler Buben.

"This Modern Glitch" lebt von den selbstbewussten Pop-Perlen dem jugendlichen Übermut und Blödelhumor. Damit feiern sich die Wombats sicher ein wenig selbst. Und weil Nachhaltigkeit noch nie ihre Stärke war, gehören die zehn Songs auch primär in den Konzerte-Club oder die Indie-Disco. Da soll man dann wieder tanzen, mitgrölen und Spaß haben. Dafür schreiben die Herren nämlich ihre Hits.

Feeder - Renegades

2011-04-27T19:34:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Lass krachen: nach langer Durststrecke gibts wieder die volle Packung melodiegesättigten Lärm. Lange gefackelt wurde bei Feeder noch nie und das Brit-Trio hat es im Zweifelsfall schon immer eher auf die Zwölf gemocht. Aber dieses – hierzulande mit einem dreiviertel Jahr Verzögerung erhältliche – siebente Album geht mit dem Opener gleich in die Vollen. Das hatte man so dann vielleicht doch nicht mehr erwartet, etwas zu eingerostet schienen die Qualitäten der Frühzeit. „White Lines“ ist ein Bass-bollernder, Gitarren-gesättigter Hi-Speed-Knaller dessen enorm melodischer Drive dem mitreißenden Faustreck-Faktor nie im Weg steht. Deutlich zurück zu den Wurzeln geht „Renegades“, erinnert daran, dass Feeder gern auch in Metal-Magazinen besprochen wurden, nicht nur in der Britpop-Presse, zwei Pole, zwischen denen sie sich eine Zeitlang ganz gut eingerichtet hatten, bevor es dann in eher seichtere Fahrwasser ging und sowieso irgendwie der Wurm drin war in der Entwicklung, den Erfolgen, dem Bandpersonal. Immerhin: Man scheint sich solidiert zu haben, „Renegades“ spricht da ein deutliches Machtwort. Zwei Handvoll sehr solide Songs haben die Waliser also abgeliefert, ordentlich bretternd einerseits und mit genügend Heavyness, aber ohne den deutlichen Willen zum potenziellen Smashhit zu ignorieren, bei aller Krachigkeit immer eingängig zu bleiben, schlicht-funktionale Melodien in geschickt-einfache Arrangements einzukleiden. Das sorgt denn letztendlich auch dafür, dass die gute halbe Stunde Spielzeit denn auch fast schon wieder zu viel ist. Irgendwann hat auch der Gutwilligste begriffen, wie diese Songs funktionieren. Aber das ist vielleicht auch ein zu geschmäcklerischer Vorwurf. Hauptsache, es knallt. Und das tut es, aber hallo.

Uriah Heep - Into the Wild

2011-04-27T19:31:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Mein lieber Herr Urgroßvater!
Seit wie lang gibts die jetzt?
Und dann liefern die eine solche Rock-Wumme ab?
Unglaublich!

Uriah Heep ist hier also noch einmal ein großer Wurf gelungen.
Long live Uriah Heep !

Jamie Woon - Mirrorwriting

2011-04-27T19:20:00.001+02:00

Unsere Wertung: *****

Zuweilen düster, doch schön und hypnotisierend mit diesen Worten könnte man Woons Debüt sehr gut beschreiben. Die glasklare, und hohe Stimme von Jamie Woon verbindet sich mit den düsteren Klängen und Bässen, zu einem frischen und selten gehörten Soundspektrum. Anfangs hatte ich doch Bedenken, ob die klare Stimme sich gegen die, zuweilen an Dubstep erinnernden Beats durchsetzt. Doch weit gefehlt: Jamies Stimme und die Sounds gehen eine wunderbare Symbiose ein, die hynotisiert. Nach mehrmaligem Hören bekommt man die Tracks nicht mehr aus den Ohren. Ausfälle gibt es nicht wirklich, da alles wie aus einem Guss wirkt und die Atmosphäre, welche immer sehr dicht gehalten wird, nie durchbrochen wird.

In eine Schublade kann man Woon nicht unbedingt einordnen. Zwischen RnB, Soul und teilweise auch dubstep-artigen Klängen, durchläuft diese Platte einige Genres, ohne sich in einem festsetzen zu wollen.

Klare Kaufempfehlung und ein fast schon unbeschreibliches Soundabenteuer

TV on the Radio - Nine Types of Light

2011-04-17T16:45:00.000+02:00

Unsere Wertung: *****

"Night Types Of Light" begeistert die Medien und auch uns.
Ist dieser Band mit diesem Album ein Überwerk gelungen?
Wir meinen absolut ja!
Kaum auf dem Markt, ist die Begeisterung schon enorm.
Auf der neuen CD "Nine Types Of Light" mischen die Amerikaner wieder einmal Hip-Hop, Pop, Rock und House zu einer süchtig machenden Dosis zusammen.
Mit Tränen der Begeisterung in den Augen schwelgen wir in allerhöchsten Tönen:
TV On The Radio ist die "Die hippste Hipster-Band der Welt".
"Nine Types Of Light" wirkt wie eine Brechung des Lichts: Da sieht man hierhin und bekommt anderswo die Augen neu geöffnet.

Ladytron - Best of Ladytron 00-10

2011-04-17T16:30:00.000+02:00

Unsere Wertung: *****

Die Liverpooler Electro Band LADYTRON formierte sich 1998, und hat es bis dato irgendwie geschafft ihr gesamtes Bestehen lang, stylish und zukunftsweisend zu klingen, während viele ihrer einstigen Electroclash Kollegen der Vergessenheit anheim gefallen sind. Nun wird LADYTRON ihre erste Retrospektive gewidmet. Das Karriere umspannende "Best of" spiegelt die gekonnt ausgeführte (und herrlich subversive) Dualität des Quartetts wider: Alte Grooves versus üppige Synthesizer und lebendige Melodien versus schimmernde Atmosphären.

Als ich Ladytron das erste Mal hörte, war ich auf Anhieb gefangen von der großen Kraft der Songs, deren Melancholie, und der schönen Frauenstimmen, die gepaart mit eingängigen Beats, Bassläufen und tiefgreifenden Melodien erstklassige Musik entstehen lassen. Beim Hören wird man hier und da erinnert an Kraftwerk, Depeche Mode, Anne Clark, Erasure, New Order, aber an sich sind Ladytron einzigartig!

Looptroop Rockers - Professional Dreamers

2011-04-12T09:35:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Drei Jahre war es still um Schwedens wohl größten Rap-Exportschlager Nummer 1, die Looptroop Rockers. Im März veröffentlichte die vierköpfige Crew um Promoe, Embee, Spupreme und Cos.M.I.C. ihr nun schon fünftes Album mit dem verheißungsvollen Titel "Professional Dreamers". Mit lediglich 13 Songs fällt das Werk nicht gerade üppig aus, doch das will nichts bedeuten, denn einen Zusammenhang zwischen Quantität und Qualität gibt es ja bekanntlich nicht. Nun genug der Rede, steigen wir doch einfach direkt in die Träume der Rockers ein.

Sobald man die ersten Klänge von "Don't Wanna Wake Up" zu hören bekommt, weiß man sofort, warum das Quartett lieber im Bett bleiben möchte. Mit klassischem Hip Hop hat dieses Intro nicht mehr viel zu tun, geht eher in die fantastische und spacige Richtung von Kid Cudis Ausflügen ins Weltall. Von nicht minderer Qualität ist der Titeltrack "Professional Dreamers". Dieser klingt auf der einen Seite etwas schräg, aber auch faszinierend und dank des flotten Rhythmus auch mitreißend, sodass man schon von Beginn an dem Album seine Aufmerksamkeit schenkt. Der furiose Auftakt wird sofort mit "Any Day" fortgeführt, das während der Strophen mit einer trockenen Drum noch recht schlicht rüberkommt, für den Refrain hat Band-Producer Embee die Elektronik dann voll aufgedreht, was dann wie ein Finale zu den Rhymes der restlichen Truppe wirkt. "This Music Sounds Better At Night" macht seinem Namen alle Ehre, denn durch einen düsteren und geheimnisvollen Touch passt dieses Stück besser in die Abendstunden, ist nichts desto trotz wunderbar melodisch und nicht zuletzt durch den eingesungenen Refrain wunderbar relaxt. Im krassen Gegensatz dazu steht das extrem hektische High-Speed Stück "Do" (feat. Gnucci Bandana). Auf der einen Seite offenbart dieser Song die außerordentlich gute Rap-Technik der Looptroop Rockers, auf der anderen ist es jedoch auch recht anstrengend, ihn sich von Anfang bis Ende anzuhören, was weniger an den auf Party getrimmten Lyrics liegt, sondern dem Instrumental geschuldet ist.

Wem das nicht so gefällt, der kann guten Gewissens skippen, denn die folgenden "On Repeat", "Sweep Me Away" und "Blow Me Away" lassen es alle wieder eine Spur ruhiger angehen, ohne dabei an Drive zu verlieren oder gar langweilig zu werden. Auch "Darkness" folgt diesem Prinzip, setzt aber noch mal eine Schippe drauf und kann gut und gerne als eines der Highlights der Platte bezeichnet werden. Zu diesem Ruhm kommt der Song auf der einen Seite durch die packenden Raps und die Gesangsparts, aber auch das Instrumental geht wirklich rein wie Butter. Es verbindet gekonnt eine gewisse Energie mit etwas emotionaleren Klängen und weiß dadurch zu begeistern. Bevor es danach in die Endphase geht, wird auf "El Clasico" noch einmal der Power-Regler aufgedreht und dann ab "Magic" (feat. Chords), das mit dem für Hip Hop eher unüblichen, dominierenden Akkordion wirklich etwas magisch ist, ein verträumter Schlussspurt hingelegt. Seinen Ausklang findet "Professional Dreamers" mit dem traurigen Gedenken an "Jospeh", der wohl emotionalsten Nummer des Albums, die es ein letztes Mal schafft, den Hörer in ihren Bann zu ziehen.

Dank der vielen melodischen Stücke und der meist entspannten Art geht die Musik schnell ins Ohr und sorgt für gute Laune, da sieht man auch gerne über 2-3 mittelmäßige Tracks hinweg. Ob die Anhänger der alten Alben hiermit zufrieden gestimmt werden, ist etwas fraglich, dafür hat "Professional Dreamers" aber das Zeug neue Fans zu gewinnen.

Mirrors - Lights and Offerings

2011-04-10T13:10:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Die Hurts haben dem Synthpop Revival die Tür zur Massenwirksamkeit geöffnet, the Mirrors gehen jetzt konsequent hindurch.

Hier stellt sich eine weitere Band vor, die im Spannungsfeld zwischen OMD und Depeche Mode ein beeindruckendes Debüt veröffentlichen. Lights and Offerings" schafft des Spagat zwischen einer gewissen Düsternis und erhebenden Momenten und mischt dabei eine schwermütige fast Kraftwerk-eske Grundlage mit verträumten analogen Synthesizern. An manchen Stellen sind die Maschinen fast noch wärmer als der Gesang, der oft sehr desorientiert - im positiven Sinne - und losgelöst wirkt. Die Melodien sind dabei stets sehr eingänglich. Anspieltipps: LOOK AT ME und HIDE AND SEEK.

Interessant ist dieses Album damit vor allen für zwei Gruppen: Die jüngeren Freunde des Synthpops, die diese Richtung gerade erst mit Band wie Hurts oder Black Room entdecken, und natürlich die schon etwas älteren Freunde des Synthpops, die sich mit den oben genannten 80er Grössen schon immer sehr heimelig gefühlt haben.

Foo Fighters - Wasting Light

2011-04-10T12:29:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Was kann man von einem (Rock-)Album erwarten, dessen erste Single „Rope“ vom (US-)Rolling Stone mal eben zum „hairy-testicled, devil-dicked atomic beast of a single“ erklärt wird? Ohne Zweifel eine ganze Menge. Oder besser: ein Maximum an Lärm und Wahnsinn. Doch eigentlich sind die Erwartungen an das siebte Foo Fighters-Album sowieso nicht mehr zu toppen. Millionen von Fans weltweit erwarten nicht weniger als ein weiteres Meisterwerk im Œuvre der wohl coolsten und größten Rockband unserer Tage. Die „Hauptschuld“ daran trägt nicht zuletzt die Band selbst: seit Wochen und Monaten veröffentlichen Dave Grohl und Kollegen in schöner Regelmässigkeit Details über die Arbeiten an „Wasting Light“, die es allesamt in sich haben und die Foo Fighters-Anhänger auf allen Kontinenten in Euphorie versetzen.

Wie zum Beispiel die News, dass Grohl erstmals seit fast zwanzig Jahren wieder mit Produzent Butch Vig zusammen arbeiten würde, unter dessen Regie 1991 das legendäre Nirvana-Album Nevermind entstanden war. Oder dass die Aufnahmen zu Wasting Light komplett in Daves Garage im kalifornischen San Fernando Valley stattfinden würden. Komplett analog. Ohne Computer. Ohne Software. Aber mit Krist Novoselic (!). Der ehemalige Nirvana-Bassist spielte bei dem Song „I Should Have Known“ Bass und Akkordeon. Und nicht zu vergessen Bob Mould. Auch der Ex-Hüsker-Dü-Gitarrist und Sänger quetschte sich zu Dave Grohl, Taylor Hawkins, Nate Mendel, Chris Shiflett und Pat Smear in Grohls Garage und ist nun auf dem Stück „Dear Rosemary“ zu hören.

Das Album gefällt mir jetzt schon besser als "Echoes, Silence, Patience & Grace" welches zwar 3 Hammerlieder hatte, aber auch einige Schwächen. Mit "Wasting light" gibts 11 Songs, die man einfach durchlaufen lassen kann, wie auch bei "The colour and the shape".

Glasvegas - Euphoric///Heartbreak \\\

2011-04-10T12:21:00.001+02:00

Unsere Wertung: ***

Große Gesten, viel Gedöns – dieses verflixte zweite Album ist nicht wirklich der Weg zur Unsterblichkeit. Viel Zeit lassen sich Glasvegas auf diesem Album, volle drei Minuten gibts erstmal nur atmosphärisches Gemurmel und Gesause, bevor es mit den eigentlichen Songs losgeht. Und irgendwie kann man das für dieses zweite Album der Schotten auch als wegweisend erachten. Zweieinhalb Jahre nach ihrem furiosen Debüt und dem gleich ganz großen Rummel vom Start weg, sind die Erwartungen selbstredend enorm, kaum zu erfüllen eigentlich wie so oft. Man kann sich das an der ersten Single „Euphoria, Take My Hand“ alles schon anhören, die großen ausholenden Melodiebögen mit der verzweifelten Grundstimmung, die gniedelnden Gitarren auf dichtgewebtem Synthieteppich. Und man stellt fest, dass in all dem Getöse schlicht und einfach die zwingende Songidee vergessen wurde, ein Grundproblem dieses Albums, bei dem am Ende außer all dem Soundbrimborium und Allens Sirenenstimme nicht wirklich viel hängenbleibt. Es ist kein schlechtes Album an sich, das sollte festgehalten werden, aber es ist eben auch nicht das Album, was einem Glasvegas für die nächsten Jahre unverzichtbar gemacht hätte.

Peter Bjorn and John - Gimme Some

2011-04-09T19:04:00.001+02:00

Unsere Wertung: *****

Ja ja, diese Schweden!!! Die habens wirklich drauf. Nach den The Sounds wieder Bestnoten für diese Nordlichter.
Und leider kommen wir wieder nicht drüber hinweg 5 Sternchen herzugeben. Wie beim letzten Alben auch.
Da steckt dann schon Klasse dahinter.

Souveräne gute Laune, schmissige Gitarren, viele „Ohohohos“ und irgendwie auch eine wohltuende Rückmeldung aus der Post-Überhit-Krise. „Gimme Some“ präsentiert sich von vornherein als eindeutiges Pop-Album, leichtfüßig, ganz in der Tradition der verspielten Eleganz, die oft gerade schwedische Bands aus dem Einheitsbrei des Genres herauszuheben vermag. Locker und luftig wirken diese Songs großteils, mühelos beschwingt und mit dem Potenzial zur ganz großen guten Laune, die sich obendrein in der nächsten Indie-Disco auch noch perfekt raustanzen ließe. Selbstverständlich wird dabei kein Rad neu erfunden, aber wie das Trio ihre Songs trotzdem irgendwie mit Überraschungseffekt hinbekommt, lässt immer mal wieder aufhorchen. Bei „Dig A Little Deeper“ zum Beispiel braucht es nicht viel außer einem flott aufgelegten Allerwelts-Gitarrenzappel-Anfang, dem extrem nach vorn gestellten, keinesfalls unfehlbaren Lead-Gesang, einer Handvoll clever gesetzter Breaks und dem frech-simplen „Oho“-Chorus. Den kramen sie – mit geringfügig geänderten Inhalt eh immer mal wieder gern raus, er ist der probate Gute-Laune-Transmitter und fast so etwas wie ein Markenzeichen. „Eyes“ baut sich dann um ein markantes Gitarrenlick herum auf, versprüht dabei rauen Handclap-Charme und stampfenden Rhythmus, bevor er sich in ein fast schon breitwandiges nichtsdestotrotz angenehm unperfektes Gitarrensolo ergießt. Dass es Peter, Bjorn & John aber auch immer noch diesen einen Zacken schmissiger als andere drauf haben, beweisen sie mit „(Don’t Let Them) Cool Off“, einem großartigen Hi-Energy-Popsong mit Schepperdrums, treibenden Gitarren und maximal reduzierten Lyrics, der sich leicht als der Höhepunkt des Albums festmachen lässt. Super Schön!

Es scheppert gewaltig auf "Gimme Some" und die Raffinesse und Lässigkeit, mit der das Trio einen Song nach dem anderen heraushaut, als wäre weiter nichts dabei, läßt einen staunen. Die Herren Gallagher und Casablancas jedenfalls sollten sich trotz des milden Wetters besser etwas wärmer anziehen, denn das Album mit dem besten Rock'n Roll des Jahres 2011 kommt - Stand jetzt - nicht aus Manchester oder New York, sondern eben Stockholm.

The Sounds - Something to die for

2011-04-08T11:54:00.000+02:00

Unsere Wertung: ****

Etwas vollmundig versprechen die Schweden bei ihrem neuesten Werk, es wäre etwas wofür man sterben könne.
Und man muss zugeben, ganz übertrieben ist ihr Titel nicht.
Das neue The Sounds Album ist sicher ein wenig mehr elektronisch als die anderen und klingt im ersten Durchlauf ungewohnt. Nach und nach kicken die Songs aber immer mehr. Mir gefällt besonders "Better Off Dead" und "Something To Die For". Finde es mittlerweile schon fast das beste Album der Band.

Milow - North and South

2011-04-07T19:05:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Nach dem Erfolg des zweiten Albums "Milow" war für mich keineswegs sicher, dass das nun vorliegende dritte Album hieran anknüpfen kann.

Glücklicherweise wurde ich positiv überrascht.

Milow ist sich und seinem Stil treu geblieben und hat nicht den Fehler gemacht, mit dem dritten Album etwas völlig Neues zu probieren. Seine Fans werde es ihm danken, denn die unverwechselbare Stimme gepaart mit melodischen Klängen und guten Texten ist und bleibt sein Markenzeichen. Einmal mehr stellt er seine Singer-/Songwriterqualitäten eindrucksvoll unter Beweis.

Die erste Auskopplung 'You and Me (In My Pocket)' versprüht gute Laune und bleibt im Gehörgang hängen, auch wenn er längst verklungen ist. Ein Titel mit Ohrwurmpotential, der die Qualität von Milow unterstreicht.

Auf dem Album warten zehn weitere Titel darauf entdeckt zu werden, wobei keiner qualitativ abfällt. Jeder wird seinen eigenen Favoriten darunter finden und eines ist sicher: Die Suche macht auch bei 10 Durchlauf noch richtig Spaß.

Insgesamt ein sonniges Album, das uns durch diesen Sommer begleiten wird.

Ein würdiger Nachfolger!

The Kills - Blood Pressures

2011-04-07T10:03:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Die elf Tracks auf Blood Pressure haben alles, was die Musik von The Kills ausmacht: schmutzige Gitarren, treibende Rhythmen und Texte, die genauso intelligent wie sexy sind. Im Vergleich zu den Vorgängern hat der musikalische Überbau des Duos merklich an Gewicht gewonnen: Neben einem volleren Sound zeigen sich Hince und Mosshart deutlich experimentierfreudiger und vielschichtiger, aber auch harmonischer. Textlich bleiben sich The Kills nach wie vor ehrlich, tiefempfunden und manchmal einfach herzzerreißend.

Von Hince und Mosshart im Alleingang eingespielt, gibt sich das Album wieder einmal betont lässig und um keine Antwort verlegen, offenbart aber auch eine neue Nachdenklichkeit, ja sogar Wehmut und Verletzlichkeit in den Texten. Mit Blood Pressure behauptet die Band ihre Stellung als eine der vitalsten im aktuellen Musikgeschehen.

Blood Pressure ist das vierte Album von The Kills, nach dem 2008 erschienenen Midnight Boom, No Wow von 2005 und dem Debüt Keep On Your Mean Side aus dem Jahr 2002.

Kompromißlos, unverdrossen!

William Fitzsimmons - Gold in the Shadow

2011-04-05T19:57:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Soll keiner sagen er hätte sich nicht schon zu der einen oder anderen Folge einer x-beliebigen Notaufnahmenserie hinreißen lassen - wer es nicht wie der Autor selbst zum glühenden Verehrer der ersten Staffeln von "Emergency Room" geschafft hat, nahm dann später eben bei "Private Practice" oder meinenthalben "Scrubs" auf der Couch Platz, manchem reichte ja auch schon "Das Krankenhaus am Rande der Stadt" oder "Klinik unter Palmen" für den wöchentlichen Kick. Nichts zu sagen im Übrigen auch gegen die gefühlige OP-Show "Grey's Anatomy", die leider irgendwann in paranormale Zwischenwelten abglitt, deren treue Zuschauer aber in Sachen William Fitzsimmons einen Wissensvorsprung vorweisen können. Denn für genau diese Serie wurden zwei seiner bisher bekanntesten Songs, "Passion Play" und "Please Don't Go" ausgewählt und fanden dort schnell ein heimeliges Plätzchen.

Fitzsimmons` Geschichte klingt, nebenbei bemerkt, selbst wie aus dem Drehbuch einer herzerwärmenden Überseeweekly entlehnt - als Sohn eines blinden Ehepaares brachte er sich die zum Musizieren nötigen Instrumente allesamt selbst bei, versetzt mit etwas elektronischem Zierrat gelingt ihm so seit einiger Zeit eine bezaubernde Spielart des Folk. Durchaus verwandt mit der leisetreterischen und versponnenen Kunst eines Nick Drake, nahe auch beim ebenso großen und leider ebenso toten Elliot Smith, haben diese Songs wirklich etwas Goldenes, Glänzendes, insofern verspricht der Albumtitel nicht zu viel. Die Texte, behutsam, nach innen gekehrt und fast andächtig, untermalt er ähnlich wie ein James Yuill mit zeitgemäßer und wohl dosierter Synthetik, doch bittet er nicht wie dieser zum Tanz, sondern lädt eher zum Mitsummen und entspannten Sinnieren ein. Für "Let You Break" springt ihm noch Leigh Nash vom One-Hit-Wonder Sixpence Non The Richer zur Seite.

Nichts hier was weh, vieles dagegen dabei, was gut tut. Vielleicht nicht gerade die Platte, die man sich für den wilden Sommer erwartet hat, aber schließlich hat auch der laue Abende, die eines Soundtracks bedürfen. Und wer dann diesen Mann zur Hand hat, dem muß um die Choreographie derselben nicht bange sein.

Eine der schönsten und vor allem zärtlichsten Veröffentlichungen der jüngsten Vergangenheit.

De Staat - Machinery

2011-04-01T10:09:00.001+02:00

Unsere Wertung: ****

Die holländische Alternative Rock-Sensation mit ihrem unvergleichlich, markanten Sound zwischen Dead Weather, Captain Beefheart, Nick Cave, Steve Reich, Queens Of The Stone Age und Tom Waits ist zurück!

De Staat sind derzeit der heißeste Alternative Rockband Export aus den Niederlanden. Ihr letztes Album war am Ende des Jahres 2010 an der Spitze der Jahrescharts und wurde von Kritikern und Fans bejubelt. Sie spielten auf so prestigeträchtigen Festivals wie Lowlands, Pinkpop, Sziget, Reeperbahn Festival und Glastonbury. Jetzt haben De Staatv ein neues Album aufgenommen, welches alle Erwartungen erfüllt. "Machinery" ist ihr zweites Album und somit Nachfolger des unglaublichen letztjährigen Debüts "Waiting For Evolution". Die Band beschreibt 'Machinery' als "gut-inducing slab of psycho funk." Ein dunkles musikalisches Abenteuer, welches den Hörer durch unterirdische Höhlen aus Blues, Funk und Electro führt.

Unbedingt mal reinhören!!!!

The Naked and Famous - Passive Me, Aggressive You

2011-03-22T10:42:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Seit einigen Wochen läuft die erste Single der Neuseeländischen Formation THE NAKED AND FAMOUS auch in Deutschland. Besonders großen Anteil an der stetig ansteigenden Bekanntheit trägt der Musiksender VIVA, der den Titel "Young Blood" in ihrer Image-Kampagne als Hauptsong auswählten. Ohne Probleme setzte sich der Titel in den Ohrmuscheln fest. Die Kombination aus Synthie, Indie und Poplklängen überzeugt sofort und hebt sich auch Dank der recht schrillen Stimmen der weiblichen Sängerin Alisa Xayalith von der Masse ab. Dabei klingt einiges nach der Synthie-Welle aus den 80ern. Durch geschickt ausgewählte Versatzstücke aus dem Bereich des Indie-Pops/Rocks werden die Anleihen jedoch abgeschwächt und es entsteht eine Symbiose aus der Vergangenheit und dem aktuellen Sound des Genres. Möglicherweise auch ein Schritt in die Zukunft.

Das Potenzial für eine große Karriere steckt definitiv in der Band - denn das Album ist unglaublich abwechslungsreich - die Formation ist dementsprechend wandelbar. Ob schrill nach vorne treibend ("Young Blood" oder "Punching in a Dream") oder hypnotisierend monoton ("The Sun", "Eyes"), ob Synthiesounds ("Jilted Lovers") oder klassische Gitarrenmusik im Songwriterstil("Girls like you", "No way") - Die Kreativität bricht aus allen Ecken heraus, wenn auch nicht jeder einzelne Song restlos überzeugen kann und manchmal etwas unfertig klingt. Der Gesamteindruck macht aber, auch Dank der beiden unterschiedlichen Lead-Stimmen, "Passive Me, aggressive you" zu einer der Entdeckungen des Jahres 2011. Neuseeland weiß diese Band schon länger zu schätzen - nun lernt auch das andere Ende der Welt die fünf Neuseeländer kennen. Man sollte einen Blick riskieren - bei diesem Facettenreichtum sollte jedem Musikliebhaber der Zugang zu diesem Werk gelingen.

Duran Duran - All You Need Is Now

2011-03-22T10:38:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Danke, Duran Duran, dass es Euch noch gibt! Seit vielen Alben kann man als Fan von Duran Duran eigentlich jedes neue Album wie eine Art Comeback feiern. Aber diesmal ist es noch besser und das neue Album - auch wenn das etwas merkwürdige Plattencover das so gar nicht vermuten lassen kann - ein ganz großer, bunter, man ist geneigt zu sagen: nahezu ein fast perfekter Wurf.

Die Songs könnten von diversen anderen Alben stammen. Duran Duran nehmen sehr gekonnt Anleihen an eigenes Material aus allen Jahrzehnten, die sie zusammen musizieren, mischen das ganze frisch mit ebenso gekonnten Anleihen an irgendwie bekannte, eingängige Sounds und Melodien der 70er und 80er: ein bisschen schimmern Disco und Blondie hier, ein bisschen ELO und die Pet Shop Boys.

"All You Need Is Now" liefert eine satte Ladung zeitloser Popmusik, die dem traditionellen Radiohörer durchaus etwas abverlangt, auch wenn Duran Duran-Songs wie gewohnt an manchen Stellen knapp an der Belanglosigkeit vorbeischrammen.

The Strokes - Angles

2011-03-21T12:13:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Eine Millionen Bands bringen neue Alben raus und eine Millionen "Fans" schreien: "früher waren Sie besser"

Die Welt entwickelt sich, Menschen entwickeln sich weiter, Bands verändern sich. DOCH ist das immer so schlimm?
Die Strokes gehen mit Ihrem neusten Album eine etwas andere, gewagtere Richtung und ich denke Sie fahren gut damit.
Nicht immer ganz gerade Songstrukturen, extrem gute Gitarren- und Bassriffs, ein Schlagzeuger der spieltechnisch dazu gelernt hat und einen Julian Casablancas in seiner extrem guten Art sind auf "Angles" zu hören.

Ich muss gestehen, beim ersten Höreindruck musste ich auch erst einmal schlucken. Aber je häufiger ich das Album höre, umso besser gefällt es mir und umso mehr Stellen entdecke ich, die mich umhauen!

Lasst euch doch einfach mal drauf ein, dass Bands nicht immer wie das Debütalbum klingen!

Gus Black - The Day I Realized

2011-03-21T09:32:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Einfach Gut!

Gus Black schafft es immer wieder, mich mit seiner Musik zu erden, zu beruhigen und meinen Geist zum träumen zu bringen.

Diese Platte hier hat überwiegend ruhige Lieder, die so voller Gefühle sind, so direkt, dass man sich unter Umständen selbst angesprochen fühlt.

Endlich wieder ein Black Album. Und für ein so gelungenes, durfte es auch gern etwas dauern.

The Vaccines - What Did You Expect...

2011-03-21T09:28:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Die renommierten Prognostiker von BBC haben die Vaccines auf Platz 3 der Sound of 2011 gewählt, eine Liste die jedes Jahr die Künstler nennt, denen der Durchbruch prophezeit wird. Und damit liegt die BBC genau richtig. The Vaccines sind Rock n Roll in Reinform, irgendwo zwischen 50er Jahre Doowop Melodien und Post Punk aus den 80ern aber dabei immer eigenständig. Auf jeden Fall mal reinhören, ich war beim ersten Hören begeistert!

Bodi Bill - What?

2011-03-21T09:24:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Drittes Album von Bodi Bill! Die Kultband aus Berlin präsentiert zehn neue Songs zwischen Elektronik, Indie und Folk.

Bodi Bill geben ein hohes Tempo vor. Nach zweieinhalb raffinierteten Popalben, gefüllt mit virtuoser Elektronika, dicken Beats und leidenschaftlichem Songwriting und nach zahlreichen Konzerten ist nun endlich das lang ersehnte dritte Album der Band in Sichtweite: "What?"! Mit ihren beiden Alben "No More Wars" und "Next Time" sowie dem für den internationalen Markt zusammengestellten Album "Two In One" haben sich Bodi Bill innerhalb von kurzer Zeit aus dem Nichts in die Herzen der Hörer und an die Spitze der Elektro-Folk-Indietronic-wieauchimmer-Gemeinde gespielt. Nach wie vor positionieren sich Bodi Bill elegant zwischen Clubkultur und Folkästhetik, spielen mühelos mit diesen Gegensätzen, ohne dabei dem einen oder dem anderen Pol die Vorzüge abzusprechen. "What?" steht für Popmusik von hoher Relevanz, voller Frische, Kompromisslosigkeit, Leidenschaft und Weltgewandheit, voller Emotionalität, Neugier und Charme. Ist eine Band aktuell in der Lage zu repräsentieren, was die Stadt Berlin verkörpert, dann ist es Bodi Bill.

Beste Songs (für mich)

Brand New Carpet
Hotel
What
Paper

Ein gelungenes Werk mit mehr tanzbaren Stücken als je zuvor!

J. Mascis - Several Shades of Why

2011-03-21T09:19:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Der Mann muss glücklich sein. Zumindest stellt man sich das vor, denn keiner seiner Anhänger würde jemals von ihm oder seiner Combo Dinosaur jr. die komplette Neuerfindung geschweige denn eine revolutionäre Idee erwarten. Bei einer Band wie Portishead zum Beispiel, die/der eine Platte aller zehn Jahre reicht, wird schon Monate im Voraus orakelt und menetekelt, welche innovativen Glanztaten sich wohl beim neuen Album Bahn brechen werden. Anders J Mascis - setzt sich hin, holt die Klampfe raus und nörgelt gar prächtig los.

Nun gut, das ist eine arg verkürzte Darstellung, die dem, mittlerweile stark ergrauten, Mittvierziger sicherlich nicht gerecht wird, impliziert sie doch, er hätte sich mit "Several Shades Of Why" keine große Mühe geben müssen. Hat er aber doch, denn bis zum fünften Song darf die Vermeidung jeglicher elektrisch verstärkten Gitarre als eine Art Selbstkasteiung gelten, erst bei "It's done" kann man etwas aufatmen und Mascis lässt die Tiere, wenn auch noch vorsichtig, von der Leine. Der Titelsong dagegen hat eine Qualität, die auf den ersten Blick befremdlich erscheint, behutsame, zuckersüße Streicher geben dem Lied beinahe etwas Barockes und man ertappt sich dabei, anerkennend und gedankenverloren zu nicken - Respekt, Alter.

Ab der Mitte ist aber, wie erwähnt, der Bann gebrochen, man hat ihn wieder, den alten Kauz und mit ihm das gewohnte und liebgewonnene Stilmittel des ausufernden Feedbacks. Nicht selten sind ja die Lieder von Mascis die besten, die auch am längsten dauern (mit Ausnahme des schändlich verunstalteten, weil apprupt beendeten Cure-Covers "Just Like Heaven"), so auch hier - "Can I" mäandert herrlich dahin und man ist bereit für den Treueschwur: So lange dieser Mann weiter unerschrocken solche Stücke verabreicht, will man ihm niemals die Gefolgschaft kündigen.

The Joy Formidable - The Big Roar

2011-02-26T18:08:00.001+01:00

Unsere Wertung: *****

1 Stern für die zwar einfachen, aber mitreissenden und eingängliche Songs, mit dem richtigen Drive und der passenden Dynamik. Das Template, dass sie benutzen ist simpel, aber wunderbar. Irgendwo angesiedelt zwischen Grunge und Shoe Gazing, und allem was danach noch im Alternativ Bereich in den letzten zwei Jahrzehnten gut und ehrlich war. Anspieltipps: die bereits bekannten WHIRRING und THE GREATEST LIGHT IS THE GREATEST SHADE sowie BUOY und der Opener THE EVERCHANGING SPECTRUM OF A LIE.

1 Stern für die majestätische Schönheit mit der Frontfrau Ritzy singt. Mit einem Spektrum das von Toni Halliday (Curve) in den getrageneren Momenten bis zu Justine Frishman (Elastica) in den aufbrausenden Momenten reicht.

1 Stern für die klangliche Vielfalt und die breitbandige Produktion, die ähnlich wie bei Muse nicht erwarten lässt, dass man es mit einer Drei-Personen-Band zu tun hat. War das erste Album oft noch skizzenhaft, wird hier ein epischen Breitwand Sound erzeugt, der auf Platte, in dem Indie Club um die Ecke, aber auf Bedarf auch im Stadion funktioniert oder funktionieren könnte. Dies wird deutlich an den Neueinspielungen der Songs vom EP Debut, aber vor allen auch an Stücken wie THE EVERCHANGING SPECTRUM OF A LIE, das quasi aus dem Stand mit vielschichtigen Sonic Youth mässigen Gitarrengetöse beginnt, sich hochschraubt zu einem himmlischen Refrain.

1 Stern weil das ganze wie gesagt auch live unglaublich gut funktioniert. Wer das nicht glaubt, bei you tube nachgucken. Wer nicht glaubt, was er da sieht oder hört und es für ein fake hält, v.a. was Ritzy mit ihren 1,60 parallel zum Gesang an der Gitarre anbietet, ab ins Konzert.

1 Stern - und überhaupt alle möglichen Punkte der Welt - weil Joy Formidable endlich mal wieder ein richtige wahre Indie Band sind. Nach jetzt fast 10 Jahren, wo Indie Rock (oft, nicht immer, aber doch zu oft) von cleveren A&R Managern designt und vermarktet werden und spätestens mit dem zweiten Album schon die Stadion Tournee gebucht werden kann, gehen die drei Waliser den anderen Weg. Vier Jahre bis zum Debut zeitgelassen, vier Jahre mit vielen Singles, einer EP, Videos, die professionell sind, denen man aber ansieht, dass sie aus dem Kunstschul-Freundeskreis kommen, Tourneen und Festivals, um eben ohne grossen Major Deal genug Geld zu haben, um dieses eine, so wichtige Debut Album so machen zu können, wie sie es sich vorstellen.

I Blame Coco - The Constant

2011-02-15T14:44:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Ihre androgyne Stimme ist absolut faszinierend und passt hervorragend zu der Musik, die sie selbst als "Dark Pop" bezeichnet. Echt ungewöhnlich und spannend, nicht mal eben so zu konsumieren. Mit jedem hören interessanter, irgendwo zwischen 80er, Dub und aktuellem Pop angesiedelt, aber mit interessanten Texten. Kann es intelligenten Pop geben? Wahrscheinlich ist das eine dieser total überflüssigen Fragen, denn letztendlich kommt es doch nur auf eins an: den Geschmack! Mir gefällts, tanzbar, singbar, steigert spürbar die Stimmung!

PJ Harvey - Let England Shake

2011-02-14T16:36:00.001+01:00

Unsere Wertung: *****

Aufgenommen wurde das neue Werk in einer alten Kirche aus dem neunzehnten Jahrhundert in Dorset im Südwesten Englands. Langzeitpartner Flood co-produzierte das Album zusammen mit PJ, John Parish and Mick Harvey. "Let England Shake" ist im Grunde das erste reine Soloalbum seit "White Chalk" aus dem Jahre 2007. Im Gegensatz zum eher experimentellen "White Chalk", das vorwiegend auf Pianobegleitung reduziert wurde, bewohnt "Let England Shake" laut eigener Aussage von PJ Harvey eine ganz andere Welt. Es geht um generelle Themen wie Konflikt, Krieg, Verlust, Loyalität, Freundschaft und Liebe, doch sie reflektiert nicht nur ihr eigenes Ich inmitten dieser Wahrnehmungen, sondern schreibt z.B. über den Zustand des gesamten Landes. In diesem Sinne erklärt sich auch der Titel des neuen Albums.

Über die Distanz vielleicht nicht ganz so leicht verdaulich, in jedem Falle aber genau das: Ein Ereignis. Und vielleicht das erste grandiose wirkliche Schwergewicht in diesem Jahr.

Gang of Four - Content

2011-02-14T16:32:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Würden Gang Of Four auf Karriereberater hören, sie hätten ihr Comebackalbum bereits vor knapp zehn Jahren veröffentlicht. Damals war britische Gitarrenmusik wieder einmal angesagt, und so ziemlich jede hippe Band von Bloc Party bis Franz Ferdinand nannte die britischen Postpunks als Vorbild und Inspirationsquelle. Inzwischen sind Spielereien mit Elektro in der Indieszene viel gefragter, doch weil sich das Quartett um die beiden Gründungsmitglieder Jon King und Andy Gill eben nicht für Trends interessiert, klingt "Content" lediglich ein bisschen gitarrenverliebter und rauer als ihr legendäres Debüt "Entertainment" aus dem Jahr 1979. Beibehalten haben sie auch ihren politischen Scharfsinn, und wenn sie in den Texten die Ökonomie und unsere digitalen Spielzeuge kommentieren - dann sind sie eben doch voll und ganz auf Höhe der Zeit. "Who can steal when everything is free, who am I when everything is me"?, fragen sie im Refrain der Single "Who am I", mit der sie den Indieclubs nach mehr als 30 Jahren endlich einen Nachfolger für den ewigen Klassiker "Damaged Goods" anbieten. Und diese grandiose Hookline hätte ihnen kein Karriereplaner durchgehen lassen.

Bright Eyes - The People's Key

2011-02-14T16:30:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Ein wenig rar haben sich die Bright Eyes seit dem Jahre 2007 und dem Album Cassadaga gemacht, was auch an den Aktivitäten ihres Wortführes lag. Conor Oberst war solo, mit der Mystic Valley Band oder den Monsters Of Folk unterwegs. In dieser Zeit machte sich das Gerücht breit, dass die Bright Eyes aus Omaha im US-Bundesstaat Nebraska noch ein letztes Album einspielen, um dann Geschichte zu werden. Nach vierjähriger Pause nun liegt es mit The People’s Keys vor, und fast nichts ist wie vorher. Einmal abgesehen von dem Cover mit dem Feuerbild, das nur durch einen Sticker auf die Bright Eyes schließen lässt, und auch abgesehen von der Kernbesetzung Conor Oberst, Mike Mogis und Nathaniel Walcott, die von Musikern aus den Reihen von Now It’s Overhead, Autolux, Cursive oder The Faint unterstützt werden. Mit ihnen zusammen gehen die Bright Eyes auf eine musikalische Reise, die weg von dem vertrauten Terrain des Indie-Folk mit seinen Country-Elementen führt, ohne es ganz zu verlassen. Was auffällt an einem immer noch jungen Songwriter Oberst - er feiert fast zeitgleich zur Albumveröffentlichung seinen 31sten Geburtstag – zu dem frühen „Wunderkind“ ist, dass er weniger in sich selber schaut oder auf menschliche Beziehungen und Sorgen, er seine Stimme nicht mehr so ergreifend hebt und senkt. Negativ betrachtet, kann man ihm vorwerfen, dass er einen nicht mehr so mitreißt und tief berührt. Postiv gesehen ist Conor gereift und rückt ab von seinen jugendlichen Nöten, Ängsten und Endzeitstimmungen. Der immer noch außergewöhnliche Songwriter hat einen Reifeprozess hinter sich, und so geht es in den Liedern von The People’s Keys rockiger zu, mischen sich Elektronik und Keyboard-Sounds unter die rockigen („Jejune Stars“, ) und poppigen Stücken („Triple Spiral“), ohne dass hier von einer Fortsetzung von Digital Ash In A Digital Urn gesprochen werden kann. Auch die üppigen Arrangements von Cassadaga fehlen, dafür findet sich mit dem „Ladder Song“ ein Lied, dass völlig ausbricht aus diesem klasse und klar produzierten Alben. Zu sanften Pianotönen singt Oberst herzerweichend “No one knows where the ladders goes, you're gonna lose what you love the most". Wenn die Bright Eyes sich mit The People’s Keys tatsächlich verabschieden, dann vielleicht nicht mit einem gewaltigen Knall...aber ganz bestimmt auch nicht als Verpuffung!

Roxette - Charm School

2011-02-14T16:27:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Zehn lange Jahre mussten die Fans warten, bis Marie Fredriksson und Per Gessle nach Room Service (2001) endlich ein neues Album vorlegen. Geändert hat sich allerdings nicht viel, denn das Duo schreibt noch immer zeitlos schöne Songs. Roxette, mit weltweit über 70 Millionen verkauften Alben eines der erfolgreichsten Pop-Duos der letzten drei Jahrzehnte, knüpfen mit den zwölf Stücken auf Charm School nahtlos an alte Glanzzeiten an. Und das ist durchaus positiv gemeint. Auf Experimente haben die beiden, unterstützt von den Produzenten Clarence Öfwerman und Christoffer Lundquist, jedenfalls verzichtet. Vom ersten Song an, der Midtempo-Hymne "Way Out", spielt das schwedische Duo seine alten Stärken voll aus. Fredriksson und Gessle wissen eben ganz genau, wie ein perfekter Popsong zu klingen hat. Das wird vor allem bei dem bereits als Single erfolgreichen She’s Got Nothing On (But The Radio), einer typischen Roxette-Hymnen, ausgestattet mit unwiderstehlichen Refrain, und der eingängigen Midtempo-Nummer „Speak To Me“ deutlich. Doch mit „In My Own Way“ hat auch ein alter Song, der bereits 1984 entstand, lange bevor Roxette international Erfolge feierten, nach einem langen Reifeprozess den Weg auf Charm School gefunden. Zu den weiteren Highlights des Albums zählen zudem die gefühlvolle Gänsehaut-Ballade „I’m Glad You Called“ und der Titel „After All“, eine wundervolle Verbeugung des Duo vor den Beatles.

James Blake - James Blake

2011-02-08T17:52:00.001+01:00

Unsere Wertung: *****

Weniger ist mehr. Ein platter Spruch und doch selten so zutreffend wie hier. Mark Hollis gelang ein ähnliches Werk vor 13 Jahren - davor und danach ist mir niemand bekannt, der Stille in Musik umwandelt. Wer Blake unbedingt in eine Schublade stecken, wohl eher pressen möchte, umschreibt diesen Stil wohl mit Dubstep. Allerdings so feinfühlig minimalistisch mit einer Stimme, die er als Instrument einsetzt und manchmal offenbar mit seinem Microkorg-Vocoder (im Video zu sehen) technisch aufpeppt. Es wäre unwürdig, jeden einzelnen Titel zu beschreiben - dieses Werk sollte man am besten am Stück, optimal vor einem Kamin sitzend mit einem Tee in der Hand genießen. Die Teekanne zum Nachfüllen sollte dabei direkt greifbar sein, um die Augen nicht zwischendurch öffnen zu müssen. Weniger ist mehr. In diesem Fall sollte sich auch eine Rezension daran halten. Insofern: Hören. Genießen. Handy aus.

Ginga - They Should Have Told Us

2011-02-07T16:51:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

GINGA sind die zur Zeit spannendste Band aus Wien! Mit Abstand.

Ginga haben ihr Debutalbum „They Should Have Told Us“ mit Daniel Rejmer (u.a. Nick Cave, Björk) als Produzent neu aufgenommen, und es haut uns um. Das ist Pop, wie Pop sein muß: voller Ungestümheit, Verve, Aufregung, Dynamik, Melodie und Wucht! Ginga sind diese gewisse Sorte Band. Die Sorte Band, bei der man nach dem ersten Anblick das Gefühl hat, dass nichts sie aufhalten kann, abgesehen von einem Flugzeugabsturz oder einem Blumentopf im freien Fall von einem Fenstersims im vierten Stock. Die Sorte Band, die einen an all die essentiellen Dinge erinnert, um die es bei wirklich großem Pop gehen sollte. Zum Beispiel die schiere Frechheit, eine Zeile wie “this goes out to every boy and girl” (aus “Fashion”) mit völlig unironischer Überzeugung zu singen. Oder das Talent, einen Song wie “Cinnamon” zu schreiben, der aus einem fernöstlichen Streicherintro in einem Melodie mündet, die nur so trieft vor brennenden Herzensqualen und der Aussicht auf Genugtuung. Oder die Fähigkeit, Leute, die noch nie ihre Musik gehört zu haben, zum Tanzen zu bringen. Oder den ungekünstelten, aber doch perfekt synchronisierten Look einer Gang von vier Jungs, zu der jeder gern dazugehören würde. “We Are One,” wie eines ihrer mitreißend federnden Lieder glaubhaft behauptet: “We sing songs to stay awake!”

...and You Will Know Us By the Trail of Dead - Tao of the Dead

2011-02-04T19:44:00.001+01:00

Unsere Wertung: ***

Schon mit "The Century of Self" kehrten sie zum Bauchgefühl zurück, und mit ihrem siebten Studioalbum intensivieren Trail Of Dead nun die Erforschung der eigenen Vergangenheit. Dazu haben sie mit Chris Smith den Produzenten ihrer ersten Platte reaktiviert; bei den Kompositionen besinnen sich die beiden Kreativköpfe Conrad Keely und Jason Reece sogar auf Prog- und Krautrockhelden ihrer Jugend wie Pink Floyd, Rush oder Neu!, deren Freidenkertum sie in ihren angestammten Soundkosmos zwischen Noise und Indie übertragen. Bei aller Krachigkeit ist also auch "Tao of the Dead" wieder gespickt mit vielen Referenzen und philosophisch-ethischen Exkursen. Trotzdem gilt: Wer vor allem ihre größenwahnsinnigen Meisterwerke "Worlds apart" und "So divided" schätzt, dem ist wohl auch diese Platte zu laut und zu eindimensional. Daran kann selbst der epische Titelsong zum Abschluss nichts ändern, für den sie extra den in der Indieszene momentan schwer angesagten Produzenten Chris Coady (Beach House, Yeah Yeah Yeahs) engagiert haben.

Beatsteaks - Boombox

2011-01-28T11:54:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

So lange die 1995 in Berlin gegründeten Beatsteaks auch auf ihren Durchbruch warten mussten, so erfolgreich sind Alternative-Punk-Rocker mittlerweile. Da gibt es normalerweise keinen Grund, etwas am Erfolgsrezept der schnörkellosen, flotten bis rasanten und kraftvollen Power-Songs zu ändern. Das sechste Studioalbum Boombox aber klingt überhaupt nicht nach einem Neuaufguss des Vorgängers Limbo Messiah. Dort deutete ja schon ein eher poppiger Song wie „She Was Great“ an, dass die Beatsteaks nicht nur brettern können.

Gerade im Vergleich mit einem Werk wie Living Targets sind deutliche stilistische Veränderungen hörbar. Boombox beginnt mit dem von sägenden Gitarren bestimmten „Fix It“, doch schon die Singleauskopplung Milk & Honey (auf der sich die Coverversion „Head On“ von The Jesus & Mary Chain befindet) mit seinem Pianoklängen und Power-Pop-Elementen rückt weit ab von Punk und Hardcore. „Cheap Comments“ wird von einem groovenden und grollenden Bass getrieben, den auch Gitarrenbreitseiten nicht irritieren können. Dann aber reduzieren die Beaststeaks nicht nur die Drehzahl und schalten einen Gang runter, sie wenden sich in „Let’s See“ dem Ska und Pop zu, das man an The Police denken muss.

Die gradlinige Rock-Nummer „Access Adrenalin“ entstand als einzige im Studio Chez Cherie in Berlin Neukölln, wo Moses Schneider schon Dendemann, die Fehlfarben oder Tocotronic betreute. Mit ihm als langjährigen Produzenten wollten sie dort auch Boombox aufnehmen, aber irgendwie gefielen den Beatsteaks die da entstandenen Songs nicht so gut wie die Demo-Versionen aus dem eigenen Proberaum. Darauf meinte Moses Schneider, dass sie einfach in ihrem Raum bleiben sollten. Gesagt, getan. Das eingesparte Geld wurde in Mikrophone investiert, und dann ging es in der privaten Boombox weiter. Die keine 35 Minuten lange Platte wurde bis auf ein paar Overdubs fast komplett live eingespielt. Abgemischt wurde Boombox erstmals in der Beatsteaks-Karriere nicht in Deutschland, sondern von Nick Launay ( der mit Nick Cave, Maxïmo Park oder Arcade Fire arbeitete ) in Los Angeles. Das Ergebnis lässt einen schon staunen, selten hat man die Beatsteaks musikalisch so breit aufgestellt gehört.

White Lies - Ritual

2011-01-28T11:46:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Man muss natürlich schon ein Faible für Bombast mitbringen, denn auch der neue Produzent Alan Moulder konnte den Jungs offenbar nicht erklären, dass achtzehn übereinander gelegte Tonspuren allein nicht zwingend Emotionen erzeugen. Doch was er offensichtlich konnte, war, ihnen schlechteSongs auszureden (bei "Holy Ghost" und "Come Down" hat er großzügig ein Auge zugedrückt).

Egal. Toll ist nicht nur, wie im Refrain des Openers "Is Love" lässige Madchester-Gitarren losdangeln, sondern dass die gewohnt episch-ausladenden Arrangements in Kombination mit dem Stimmschwulst von Sänger McVeigh plötzlich gar nicht mehr peinlich, sondern, äh, geil klingen.

Womit wir bei "Strangers" sind, einem auf den ersten Blick atypischen White Lies-Uptempo-Song, dem allerdings ein astreiner Refrain untergejubelt wird. Ja, das ist theatralisch, das klingt nach Stadion und Bierfontänen, aber das stört bei Depeche Mode heutzutage ja auch keinen mehr.

"Bigger Than Us" wies als Single schon im Vorfeld auf die neuen Sound-Horizonte hin, die heute deutlich mehr Elektronik erlauben. All jene, die auf dem Debütalbum irgendwelche Hymnen gehört haben wollen, dürfen sich nun "Peace & Quiet" reinziehen, und zwar die vollen 5:54 Minuten bitteschön. Dann ist hoffentlich auch erst mal Frieden und Ruhe.

Hintenraus unterlaufen den White Lies zwar noch die erwähnten zwei Schnitzer, dafür fahren "The Power & The Glory" und allen voran "Turn The Bells" nochmal voll auf. Auch hier stört es zu keiner Sekunde, dass Sänger McVeigh immer noch mehr Hall auf seine Stimme legt als Roland Orzabal einst bei Tears For Fears.

Was das schwarze Hipster-Volk zu "Ritual" sagen wird? Spielt bald keine Rolle mehr. Wie man hört, sind die White Lies vom Karriereweg der Kings Of Leon schwer beeindruckt. Diese Platte legt nahe, dass auch ihr Publikum weiter wachsen wird.

laut.de

Tu Fawning - Hearts on Hold

2011-01-28T08:56:00.000+01:00

Unsere Wertung: ****

Paukenschläge, Trommelwirbel und Schellenklirren: Tu Fawning lassen kaum etwas aus, mit dem sich irgendwie ein Rhythmus erzeugen lässt. Auf dem Debüt des Quartetts aus Portland stehen die Beats im Mittelpunkt der vielschichtigen Sounds. Mastermind Joe Haege, den man bereits von den 31 Knots kennt, lässt verlauten, konventionelles Songwriting interessiere ihn nicht. Das hört man: Gemeinsam mit Sängerin Corrina Repp gründete er die multiinstrumentale Band, deren Songs mit unterschiedlichsten Einflüssen spielen. Um die Beatgerüste herum torkeln nostalgische Klavierklänge, verhuschte Folkmelodien, Indierockgitarren,Posaunen und Trompeten. Die zehn Nummern wirken wie verwunschen, was durch Corrinas entrückten Gesang vestärkt wird. Alles in allem bleiben sie aber seltsam emotionsarm. Auf "Hearts on Hold" stehen anstatt von Gefühlen eher die ausgeklügelten, abwechslungsreichen Soundspektren im Vordergrund. So ist es weniger ein Album für besondere Momente als für besondere Hörerlebnisse.
Überall scheppert, knistert und rumpelt es ganz wunderbar.

Crystal Fighters - Star of Love

2011-01-27T19:50:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Das Promomärchen des Jahres hat das katalanisch-amerikanisch-britische Quintett aus London schon mal mindestens zu bieten: Sängerin Laure reist ins Baskenland und findet im Nachlass ihres Opas eine unvollendete Oper. Also machen sich die Crystal Fighters an die Umsetzung und erlernen neue Instrumente wie Txalapartas - über einen Baumstamm gespannte Klanghölzer, die von zwei Musikern mit Holzklöppeln bearbeitet werden. Doch egal, ob die Geschichte komplett erlogen ist: Der Mix aus traditionell baskischen Klängen und elektronischen Clubsounds funktioniert erstaunlich gut. Das folkige "Swallow" wird von einem gnadenlosen Dubstepbass attackiert und wandelt sich in eine psychedelische Hymne, "I love London" zitiert Gettofunk, und das bereits von den Kitsuné-Samplern bekannte "Xtatic Truth" wird bald jede Tanzfläche aufmischen. Im Tribalpopsong "I do it everyday" bringen die Crystal Fighters sogar sehr stimmig Metalgitarren unter. Schade nur, dass sie das nicht auch ins Promomärchen integriert haben. Wir hätten ihnen auch eine Oma abgekauft, die ihren Mann mit einem katalanischen Metalmusiker betrügt.

Cold War Kids - Mine Is Yours

2011-01-21T16:19:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Was ein einzelner Name nicht alles anrichten kann, wenn man ihn nur oft genug im selben Zusammenhang erwähnt. Dass nämlich das neue, dritte Album der Cold War Kids unter der Ägide von Produzent Jaquire King entstanden ist, kann eigentlich nur den schrecken, der sich mit den beigefügten Horrorhäppchen (Kings Of Leon "Come Around Sundown", Norah Jones, Billy Talent) abspeisen läßt. Weil es offensichtlich nicht so gut ins Bild passt bleibt dann aber gern unerwähnt, dass dieser Mann eben auch die Produktion nahezu aller Tom-Waits-Alben nach der Jahrtausendwende verantwortet, ebenso die fabelhafte "Good News ..." von Modest Mouse und das hochgelobte "Do It!" der Liverpooler Band The Clinic.

Bei genauem Hinhören sind die Änderungen dann auch gar nicht so gravierend, denn die wesentlichen Stilmerkmale der Quartetts aus Los Angeles sind auch unter King erhalten geblieben: der affektierte, leicht angezickte Gesang Nathan Willetts, die kraftvolle und sperrige Spielart dessen, was man wohl Soulrock nennen darf, der Ideenreichtum und die Komplexität ihrer Songs, der die Band immer noch dazu verführt, sich ab und an auch mal mächtig zu verheben. Der Humus, aus dem sie jetzt schöpfen, ist halt nun nicht mehr der knarzende Indierock wie noch bei den Vorgängern "Robbers & Cowards" und "Loyalty To Loyalty", sondern eher der geschmeidige und konventionellere Rock der 90er - ihre Springsteen-Lektion jedenfalls scheinen sie gelernt zu haben.

Das mag man gutfinden oder auch nicht, fest steht, dass die Cold War Kids trotz dieser Richtungskorrektur meilenweit davon entfernt sind, platt zu sein oder sich wie ein Chris Martin am eigenen plakativen Pathos zu berauschen, um hernach im Sentiment zu ersaufen - es klingt noch immer nach echter Leidenschaft, die sich Willett da aus der Seele kratzt. "Mine Is Yours" als Titelsong, das verspielte "Out Of Wilderness", ein traurig-schönes "Skip The Charades" und das getragene "Broken Open", allesamt schöne Stücke mit Alltagshorizont und mächtig viel Herzblut. Und wenn dann mal was danebengeht wie "Sensitive Kid", das sich auf dem Radiohead-Terrain offensichtlich etwas unwohl fühlt, dann entschädigt gleich im Anschluß das anrührende "Bulldozer" und macht die Jungs ob dieser Fehlbarkeit auch wieder ein Stück sympathischer.

Joan As Police Woman - The Deep Field

2011-01-21T16:17:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Jahrelang spielte Joan Wasser mit ihrer Band The Dambuilders entweder lauten Rock, oder sie stand als Violinistin bei Plattenaufnahmen von Elysian Fields, Trail Of Dead, Sheryl Crow, Sparklehorse, Juliana Hatfield, Adam Green, David Gahan, den Scissor Sisters, Lloyd Cole und vielen mehr im Hintergrund. Zwei Musiker ebneten ihr den Weg in eine eigene Karriere. In ihrem Wohnsitz New York hatte sie Antony „and the Johnsons“ Hegarty - auf dessen umjubelten Album I Am A Bird Now sie später auch mitspielen sollte - kennen gelernt und wird Teil seiner Band The Johnsons. Dadurch kehrte ich zum Chamber-Pop und seiner Sensibilität zurück. Rufus Wainwright nahm die gefragte Studiomusikerin mit auf Tour und ließ als sämtliche Konzerte als Support eröffnen. Mit ihren intimen, wunderschönen, entspannten und von Soul durchströmten Liedern überzeugte sie ein neues Publikum, dass Wasser mit ihrer eigenen Band Joan As Police Woman erobern konnte. Spätestens mit ihrem dritten Album The Deep Field verdient sich die Amerikanerin die Annerkennung als exzellente Songwriterin und Sängerin. Nach zwei eh schon guten Werken läuft sie hier zu ganz großer Form auf, denn die einstige Freundin des verstorbenen Jeff Buckley reduziert die Anteile des Indie-Rocks zugunsten von noch mehr Soul und Barjazz, von klasse Sounds und einer intime Atmosphäre, der man sich kaum entziehen kann. Kein Song auf The Deep Field nimmt einen so weit mit, wie das fast 8-minütige “Flash”, auf dem der bei uns unerklärlich unbekannte Joseph Arthur seinen Bariton einbringt. Dieser Song ist ein Trip, der klar macht, warum Joan Wasser das Album nach dem Ende 1995 entstandenen Bild „Deep Field“ des Hubble Teleskops benannte. Das wurde auf einen kleinen Punkt im Weltraum gerichtet, von dem man dachte, er sei völlig leer. Gefunden wurden aber ein paar Sterne der Milchstrasse und nie entdeckte Galaxien. Wasser vergleicht das mit dem Erforschen des eigenen Lebens, in das man so tief eintauchen kann wie man will, es findet sich immer etwas Neues. Dafür öffnet sich die Sängerin wie nie, verlässt die eigene Komfort-Zone und beschenkt einen mit eindringlichen Songs. Es ist schön zu sehen, dass jemand der im Schatten anderer Kollegen stand, nun die erste Geige spielt.

Adel - 21

2011-01-21T16:05:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Das erste Highlight für 2011 ist da: Adele liefert mit "21" einen mehr als würdigen Nachfolger zu ihrem erfolgreichen Debüt "19". Die erste Single aus dem Album “Rolling In The Deep” wurde von Adele und Paul Epworth geschrieben und produziert, von Adele selbst als “dark bluesy gospel disco tune” beschrieben und beginnt bereits jetzt heftig auf sämtlichen Radiostationen zu rotieren. Ein Grossteil des Albums entstand in Malibu im Studio des legendären Rick Rubin (Johnny Cash, Jay Z, Red Hot Chilli Peppers) und in London beim kaum weniger bekannten Paul Epworth (Plan B, Bloc Party, Florence). Adele nennt u.a. Wanda Jackson, Yvonne Fair, Andrew Bird, Mary J Blige, Mos Def, Elbow, Tom Waits und Kanye West als Key-Einflüsse für “21”. Trotz ihres noch jungen Alters kann Adele bereits auf eine beachtliche Karriere zurückblicken. Mit 19 erhielt sie als erste Künstlerin den BRITS Critics’ Choice Award. Ihr Mercury-nominiertes Debütalbum "19" stieg direkt auf Nr. 1 der UK-Album-Charts, wurde mit Doppel-Platin ausgezeichnet und verkaufte mehr als 2 Millionen weltweit. Ihre Debütsingle “Chasing Pavements” war ebenfalls ein Riesenhit, erreichte Nr. 2 in den UK und wurde rund um den Globus zum Erfolg. 2009, mit gerade mal 20 Jahren, erhielt Adele 2 Grammys: Best New Artist and Best Female Pop Vocal Performance. Adele hatte wahrlich einen guten Start; aber aufgepasst: Kapitel 2 beginnt gerade erst!

Wire - Red Barked Tree

2011-01-20T10:50:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Der Blick auf die erstaunliche Vita von Wire läßt einen rätseln, im wievielten Frühling sich diese Band denn nun eigentlich befindet, wo sie doch seit über dreißig Jahren fern jeder Peinlichkeit eine feine Platte nach der anderen zuwege bringt. Spötter nun könnten behaupten, die Londoner haben sich nach den agressiven Punkausflügen ihrer frühen Tage und nicht minder wilden rockistischen Wagnissen zu Beginn des neuen Jahrtausends mittlerweile auf eine enstpannte, altersgerechte und gruppendynamische Spielart des Postpunk geeinigt. Der Elektroniker würde es wohl eine Art akkustische Grundleistung nennen, die ohne größere Abstriche auch noch so manchem Greis gelänge.

Natürlich ist das unzutreffend und böse zugleich, denn wie schon auf dem gelungenen Vorgänger "Object 47" zelebrieren Wire auch auf dem aktuellen Album nichts weniger die Essenz ihres Schaffens. Dass Songs wie "Please Take", "Adapt" oder "Clay" dabei mehr als gelassen, das fast fünfminütige "Down To This" sogar schon getragen klingen, kann man ihnen kaum zum Vorwurf machen - sie hatten auch zu Zeiten von Großtaten wie "The Ideal Copy" schon solches im Programm. Zudem hieße es zu unterschlagen, dass Wire auch jetzt noch ihren Grinderman beherrschen - raue, schnellere Stücke wie "Now Was", "Two Minutes" oder das stampfende "Moreover" wirken durchaus frisch und zu keiner Zeit aufgesetzt oder berufsjugendlich.

Wer die Mannen um Colin Newman dazu in letzter Zeit live gesehen hat, der weiß, dass sie noch wollen und auch können - sie sind einfach noch nicht fertig. Und wenn ihnen dabei hin und wieder ein Kunststück wie der abschließende Titelsong gelingt, dann dürfen sie meinenthalben auf ewig, idealerweise zusammen mit den versöhnten Zeitgenossen Hook & Sumner, als Bordkapelle auf Seniorenkreuzfahrt schippern.

Zaz - Zaz

2011-01-20T10:24:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Die Franzosen stehen auf Zigeuner Musik. Das ist nichts Neues. Mischt man diese Musik mit Jazz und Chanson, und gibt dazu eine Sängerin, die mit Heiserkeit flirtet: da ist ZAZ.

In den ersten Minuten ist man durch die Stimme von Isabelle alias ZAZ einfach nur hin und weg: heiser und doch offen, vibrierend, frech. Eine Erschütterung. Es braucht also ein paar Minuten, bis man merkt, dass dieses Album viel mehr zu bieten hat, als eine tolle Stimme: Melodien, mitreißende Rythmen, schlichte und jedoch geniale Arrangements.

Später, beim mehrmaligen Zuhören wird klar, dass die Band ständig über bekannte Musik-Quartiers gleitet, ohne den eigenen roten Faden zu verlieren: Michel Jonasz, Francis Cabrel, Edith Piaf, Ella Fitzgerald, Serge Lama, Mano Solo... man findet alles. Für Franzosen ein Genuß, denn das Ganze fühlt sich heimelig an.

Das hat Pepp, Tiefgang, alles.
Bitte mehr davon!
Merci.

Bruno Mars - Doo-Wops & Hooligans

2011-01-17T09:13:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Peter Gene Hernandez erblickt an einem Ort das Licht der Welt, den viele Andere - einmal besucht - wohl nur schweren Herzens wieder verlassen würden: Hawaii. Aufgewachsen in einer Familie von Musikern (sein Vater, ein Latin-Percussionist aus Brooklyn; seine Mutter, eine Sängerin) beginnt er bereits in jungen Jahren zu singen und performen. Inspiriert von den vorgetragenen alten Motown Hits, Doo-Wop-Medleys und Coverversionen, entdeckt er die Bühne für sich.Seine Beiträge zu "Nothin' on you" (B.o.B) und "Billionaire" (Travie McCoy) rücken ihn 2010 ins internationale Rampenlicht. Sänger, Songwriter, Produzent und Musiker - ein absolutes Multitalent und praktisch über Nacht berühmt. Dabei ist sein Erfolg kein Zufall und seine Debütsingle "Just the way you are" Produkt eines umtriebigen Geistes und Spiegel seines Inneren. Reich an unterschiedlichsten Musikstilen aus der ganzen Welt und ausgestattet mit dem Traum einer großen Karriere. Da überrascht es nicht, daß auch der Cee-Lo Green Hit "F*ck you" mit aus seiner Feder stammt.

Es scheint als wird alles zu Gold, was Bruno Mars (so sein Künstlername) in die Hände nimmt. 7 Grammy Nominierungen können nicht lügen. Mit der ersten Single bereits weltweit in den Top 10, macht sich der Nachfolger "Grenade" auf, um es seinem Vorgänger gleichzutun. Beide Nummern melodieverliebt und mit viel Gefühl vorgetragen. Pop, der sich nicht anbiedert, aber ebenso wenig loslässt. Seine viel zitierte Vielseitigkeit stellt er in der Folge seines Albums "Doo-Wops & Hooligans" ebenso ansprechend unter Beweis. Von sonnigen, Reggae gefärbten Klängen bei "Our first time" oder "Liquor Store Blues" (feat. Damian Marley) über einen Up Tempo Motown/Soul Track im Stile von "Runaway Baby" (pendelt irgendwo zwischen Cee-Lo Green und "Bang Bang" von K'naan) bis zu gefühlvollen Pianoballaden wie "Talking to the moon". Bruno Mars scheint für jeden Anlass, jede Stimmung und jede Jahreszeit gerüstet. Ganz stark auch die akustisch gehaltenen Stücke wie "Count on me", die in erster Linie von seiner hohen Stimme und der leichtfüßigen Gitarrenuntermalung profitieren. Zum Abschluß revanchiert sich Cee-Lo Green mit seinem Beitrag zu "The other side" - kurzzeitig fühlt man sich im Refrain an Chris Isaak's "Wicked game" erinnert. Und fertig ist die erste kleine, große Popperle 2011.

Social Distortion - Hard Times and Nursery Rhymes

2011-01-14T10:50:00.001+01:00

Unsere Wertung: *****

Über sechs lange Jahre musste man sich gedulden, bis Mike Ness und seine Truppe ein neues Social-Distortion-Album fertigstellen konnten. Hat sich die Wartezeit gelohnt? Meine objektive Meinung: ja, auf jeden Fall! Das Punk-Gaspedal wird zwar kaum noch durchgetreten, dafür tummeln sich auf "Hard Times and Nursery Rhymes" gleich tonnenweise großartige Melodien, eher rockige Töne und jede Menge Emotionen. Nach dem instrumentalen Intro geht es ungewohnt "soulig" mit "California (Huslte and Flow)" los, welches von einem sehr coolen Gospelchor begleitet wird und natürlich promt ins Ohr geht. Chöre, Piano- und Orgelklänge sind auf dem neuen Werk generell vermehrt zu hören. Das heißt nicht, dass dies Überhand nimmt, es ist nur im Vergleich zu den Vorgängeralben so. "Hard Times..." ist keine weichgespülte Platte, allein, weil doch hin und wieder noch die rotzige Punk-n-Roll-Sau von der Leine gelassen wird, wie etwa bei "Machine Gun Blues" oder "Alone And Forsaken". Songs wie "Bakersfield" oder "Writing On The Wall" hingegen transportieren ganz große Gefühle, ohne dabei auch nur ansatzweise kitschig zu wirken. Mike Ness verstand es schon immer, auch dem härtesten Rocker eine Träne aus dem Auge zu drücken.
Der neue Social-D-Output ist einfach wieder mal ein universelles Album. Es ist für diejenigen, die einfach nur feiern wollen, für diejenigen, die an Liebeskummer leiden, für diejenigen, die gerade verliebt sind, für Verbitterte, für Glückliche, einfach für jeden. Da nimmt man auch sechs Jahre Wartezeit gerne in Kauf.

The Decemberists - The King Is Dead

2011-01-12T17:08:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Bei The Decemberists ging in den letzten Jahren nichts ohne Überlänge und vertrackte Konzepte: Die Single "The Tain" brachte es mal eben auf 18,5 Minuten, auf dem Album "The Crane Wife" vertonte die US-Folkband ein japanisches Märchen in drei Songs, und ihr letztes Werk "The Hazards of Love" lässt sich nur als Progfolkoper bezeichnen. Man könnte bei Bandchef und Songschreiber Colin Meloy Ermüdungserscheinungen vermuten, denn auf dem sechsten Studioalbum halten sich alle Kompositionen an konventionelle Längenvorgaben, und auch die inhaltliche Klammer fehlt. Doch Meloy hat einfach das für ihn schwerstmögliche Konzept gewählt: Purismus. Die Songs orientieren sich am Countryrock der 70er und schielen im größtenteils akustischen Gewand auf Neil Youngs Meisterwerk "Harvest". Genregemäß hat sich Meloy mit der Alternative-Country-Sängerin Gillian Welsh eine perfekte Gegenspielerin gesucht. Und auch R.E.M.-Gitarrist Peter Buck ist nicht gerade zufällig auf der Gästeliste: "Calamity Song" und "Down by the Water" könnten auch als Americana-Höhepunkte aus den folkigen Anfangstagen von R.E.M. durchgehen. Vor allem aber hat Meloy sein Händchen für Melodien noch stärker spielen lassen. Schon die herzerwärmende Ballade "January Hymn" wird uns mühelos durch den Winter bringen. Doch es folgt auch noch "June Hymn" - und spätstens dann ist klar, dass dieses Album fürs komplette Musikjahr 2011 als Messlatte taugt.

Schwefelgelb - Das Ende Vom Kreis

2011-01-11T18:23:00.001+01:00

Unsere Wertung: ****

Das Intro des zweiten Schwefelgelb-Albums ist programmatisch: "Mich soll niemand fragen, in welche Richtung wir fahren, wir suchen nur das Ende vom Kreis", verkündet Sänger Sid alias Jonas Förster. Noch 2008 brachte das Duo vor allem Menschen über 30 durcheinander, als es auf dem Debüt "Alt und Neu" zwar gnadenlos NDW und Synthiepunk der 80er zitierte, dabei aber nur leichte Soundupdates vornahm. Dazu sahen die beiden Jungs aus, als wären sie direkt aus dem Genderseminar auf die Bühne gestürmt, auch wenn sie gar keine Lust hatten, die Geschlechtergrenzen neu zu definieren. Diese Koordinaten behalten sie bei, mischen aber auch aktuelle Elektrotrends unter. Harsche Ravesongs wie "Schwarz Weiss" könnten auch aus dem Katalog von Audiolith oder Ed Banger stammen, - doch Schwefelgelb sind dabei weder witzig noch bitchy. Das Duo bemüht sich lieber um ein tieferes Verständnis der Welt, und so schälen sich aus den brachialen Beats immer wieder klassische Melodien, die an New-Romantic-Helden wie Human League erinnern. Das dürfte auch viele Menschen unter 30 verwirren - und gerade deswegen sind Schwefelgelb mit ihrer Erforschung des Kreises ein gutes Stück vorangekommen.